07 PM | 15 Dic

Acción de Guillermo del Toro conmueve en la red

Una usuaria de Twitter contactó al cineasta Guillermo del Toro para solicitar un RT y ayudar a su amiga en la recaudación para realizarse una biopsia.
El cineasta mexicano Guillermo Del Toro sorprendió con una buena acción al ayudar a una usuaria de Twitter que reunía dinero para una biopsia.



La usuaria @MonicaOP le pidió al director de cine que le apoyara a difundir su tuit en el que, a través de crowdfunding, recaudaba fondos para poder pagar la biopsia de una de sus amigas.

“Guillermo, te puedo pasar el link de una amiga de Texas que necesita ayuda para juntar poco más de 900 dólares para una biopsia? No lo paga su seguro y necesita saber si recayó del cáncer. Por favor, de tapatío a tapatía! ¿Le das RT? Gracias”

A lo que Del Toro respondió “Ya está pagado”.

En la página Go Fund Me, la joven indicó que se halló un bulto en su cuello, que resultaron ser múltiples nódulos en su tiroides.

El costo de la biopsia era de 937.80 dólares y necesitaba pagar por adelantado, antes del 14 de diciembre, para que le agendaran la cita.

Al momento, la cantidad reunida era de menos de 200 dólares, por lo que, tras ver el tuit, el mexicano donó lo que restaba.

12 PM | 15 Dic

Lenguaje del cine: La primera sesión de cine

La primera sesión de cine
Los hermanos Auguste y Louis Lumière nacieron en Besançon el 19 de octubre de 1862 y el 5 de octubre de 1864, respectivamente, en el seno de una familia de pequeños industriales.
Aunque se toma como fecha del nacimiento del cine el 28 de diciembre de 1895, cuando los hermanos Louis y Auguste Lumière ofrecen la primera exhibición pública de su cinematógrafo, se sabe que en esas fechas otros muchos pioneros ya estaban proyectando también imágenes por otros sistemas que quizás todavía no tenían la perfección del francés, pero que buscaban el mismo objetivo.



Los precursores fueron básicamente fotógrafos que disponían de una mínima infraestructura para poder procesar en sus laboratorios las imágenes obtenidas. Los hermanos Lumiére, que llevaban varios años en su invento y habiendo filmado ya más de un centenar de películas de un minuto, se decidieron a enseñar su invento al pueblo de París.
Lo presentaron con temor, pues nunca tuvieron excesiva confianza en sus posibilidades artísticas ni menos económicas. Tras muchas negociaciones con diferentes locales, incluido el Folíes Bergéres, encontraron un sencillo local decorado al estilo oriental, el Salón Indio del Gran Café del Boulevard de los Capuchinos. Los Lumiére prefirieron una sala de reducidas dimensiones en razón de que si era un fracaso, pasaría inadvertido. El día de la representación, considerado oficialmente como el primer momento de la historia del cine fue el 28 de diciembre de 1895. Tal y cómo pensaron los organizadores, el primer día no fue especialmente extraordinario, pues acudieron solamente 35 personas. Bien cierto es que tampoco la publicidad fue excesiva y el cartel realizado a la rápida no fue muy significativo. Los Lumière tuvieron la precaución (Gubern, 1989) de pegar en los cristales del Grand Café un cartel anunciador, para que los transeúntes desocupados pudieran leer lo que significaba aquel invento bautizado con el impronunciable nombre de Cinématographe Lumiére. Su escueto anuncio decía: “Cinematógrafo Lumière. Entrada 1 franco”. La explicación, impresa en letra cursiva, resulta hoy un tanto pintoresca y barroca: «Este aparato -decía el texto- inventado por MM. Auguste y Louis Lumière, permite recoger, en series de pruebas instantáneas, todos los movimientos que, durante cierto tiempo, se suceden ante el objetivo, y reproducir a continuación estos movimientos proyectando, a tamaño natural, sus imágenes sobre una pantalla y ante una sala entera.». Según Georges Mèliés, que asistió a aquella función primera pues regentaba un estudio fotográfico en París y había tomado parte en algunas de las negociaciones para encontrar la sala, aunque al principio el ambiente era de gran escepticismo, cuando los espectadores vieron moviéndose los carruajes por las calles de Lyon, quedaron, cita Gubern, petrificados «boquiabiertos, estupefactos y sorprendidos más allá de lo que puede expresarse».
“Por unos breves instantes, nada de lo visto resultó innovador a los ojos de la audiencia: en los últimos años ya se conocían linternas mágicas capaces de proyectar fotografías en las paredes. Pero esta magia nueva escondía otra magia. De repente, ante los ojos atónitos del público, todas las figuras que poblaban la estación no solamente temblaban en la blancura de la pantalla, sino que también se movían. Aquellas figuras fotografiadas miraban a izquierda y derecha esperando la llegada del tren. Llegó entonces el momento cumbre. Del fondo de la imagen surgió una locomotora, avanzando lentamente en dirección a los presentes. Eso ya era demasiado: algunos de ellos, realmente asustados, saltaron de sus asientos y se precipitaron hacia la salida. No volvieron a ellos hasta que se les garantizó que la locomotora se había detenido en la estación. La impresión de realidad de aquellas breves imágenes había sido tan fuerte que salieron del local presos de una nueva excitación: habían asistido al nacimiento de algo nunca visto, un espectáculo singular que no ha dejado de fascinar a sus seguidores desde el mismo día de su nacimiento. Pronto corrió por todo París la noticia, y el Salon Indien se quedó pequeño.”
(De http://www.biografiasyvidas.com/monografia/lumiere/cine.htm)
Sin embargo el pueblo parisiense, corrida la voz sobre aquel espectáculo maravilloso y espectacular, ya al segundo día llenó el salón y las colas recorrían el bulevar. Los diarios de París elogiaron aquel espectáculo insólito y los hermanos Lumière tuvieron asegurada, a partir del segundo día, sus espectadores incondicionales.
Aunque los Hermanos Lumière poseían un amplio stock de películas, en sus primeros tiempos siempre comenzaban por La salida de la fábrica Lumiére (La sortie des Usines Lumiére, a Lyon, 1895), que según sus historiadores fue su primera película y de paso hacían homenaje a su empresa. El repertorio lo componían películas familiares, sus hijos comiendo, o de la vida de las calles de Lyon, soldados haciendo la instrucción, y al ser Louis Lumière muy buen fotógrafo no evitó la utilización de efectos como el humo en una herrería y las nubes de polvo en una demolición, que tuvieron inmenso éxito. No en balde la fotografía era la madre del cine y sus pioneros no evitaron el arte ya desde los comienzos.
Ya en los primeros momentos se hicieron famosas dos películas que dominaron en su show: Llegada del tren a la estación (L’arrivé d’un train en gare de la Ciotat, 1895) y El regador regado (L’arroseur arrosé, 1895), el primer film de humor, de un minuto, de la historia del cine.

06 PM | 14 Dic

Disney consolida un poderoso imperio en Hollywood

El acuerdo de Walt Disney con 21st Century Fox transformará al estudio más exitoso de Hollywood en una fuerza aún más poderosa, con el potencial de presionar a sus rivales para que se consoliden, apretar las riendas de las cadenas de salas de cine e intensificar la tendencia de grandes producciones y secuelas.

Disney adquirirá el estudio de Fox, los canales de cable como FX y National Geographic, y activos internacionales en un acuerdo valorado en 52 mil 400 millones de dólares, dijeron las compañías este jueves. El acuerdo sería finalizado en entre 12 y 18 meses si los reguladores lo aprueban, dijo el gigante del entretenimiento.



“Disney se está convirtiendo en el Wal-Mart de Hollywood: enorme y dominante”, dijo Barton Crockett, analista de medios en B. Riley FBR. “Eso va a tener una gran influencia a lo largo de la cadena de suministro”.

Esta es la primera gran consolidación en Hollywood desde que Comcast absorbió Universal Pictures en 2011. Con Fox y Disney bajo un mismo techo corporativo, los grandes estudios pasarán de seis a cinco.

Comcast, que compró DreamWorks Animation el año pasado, puede sentir que debe comprar otro estudio para mantenerse competitivo. Mientras tanto, estudios independientes más pequeños, como Lions Gate Entertainment y Metro-Goldwyn-Mayer, o entidades más grandes como Paramount Pictures, de Viacom, podrían enfrentar más presión para vender.

Hacerse más grande daría a los estudios más contenido y propiedad intelectual, a la vez que reduciría los costos, ayudándoles a crear películas que dominen la taquilla de fin de semana, dijo Crockett.

Fox le daría a Disney incluso más influencia en las negociaciones con las cadenas de teatros de cine, como AMC Entertainment Holdings, que han estado experimentando su propia ola de consolidación.

Disney pidió a algunos teatros una mayor participación en la venta de entradas para grandes películas como “Star Wars”, según una fuente al tanto. Por lo general, los ingresos se dividen en partes iguales, pero en películas muy populares, Disney puede exigir más del 60 por ciento.

Disney podría intentar la misma táctica con las franquicias de películas populares de Fox como “Avatar”, que tiene alineadas cuatro secuelas de gran presupuesto. Disney y Fox dominaron de forma combinada 40 por ciento de las ventas de boletos en 2016 en Estados Unidos y Canadá, según la firma de investigación Box Office Mojo.

“Es de esperar que la escala aumentada de Disney sea un factor negativo significativo para los exhibidores”, escribió en una nota el miércoles Rich Greenfield, analista en BTIG. Las acciones de AMC han bajado más de 50 por ciento en lo que va del año.

Un acuerdo de Disney-Fox seguiría a años de creciente concentración en la taquilla, y la mayoría de las ventas de entradas se destinarían a un número menor de películas. El año pasado, las 10 principales películas representaron 34 por ciento de la taquilla en total, frente a un promedio histórico de alrededor de 28 por ciento, de acuerdo con Doug Creutz, analista en Cowen & Co.

Taquilla 2016
Una pregunta que se avecina es si Disney distribuirá cualquier película bajo la etiqueta Fox, o aumentará su producción. Hasta ahora, la estrategia de Disney ha sido reducir el número y tipo de películas que hace para enfocarse en franquicias de gran presupuesto y de corte familiar.

Fox ha lanzado 22 películas en lo que va del año. Disney ha distribuido solo siete, y aún puede finalizar el año con las ventas de taquilla más altas de cualquier estudio con la última entrega de Star Wars esta semana.

Disney podría reducir la escala de los dramas independientes en el estudio Searchlight de Fox a favor de grandes producciones con secuelas, mercadería y atracciones de parques temáticos. Eso podría dejar menos espacio en los cines para “productos especializados más pequeños” y para jugadores independientes como A24, que distribuye películas ganadoras del Oscar como “Moonlight”, dijo Crockett.

Ser propietario de Fox también ayudará el negocio de producción de TV de Disney. Fox tiene uno de los estudios de televisión más grandes, y una participación en Endemol Shine, creador de reality shows como “MasterChef” y “Deal or No Deal”.

Oficial: X-Men y Fantastic Four regresan a Marvel

12 PM | 14 Dic

Lenguaje del cine: Los fundidos


Los fundidos
Para separar las distintas parte, secuencias, el cineasta ha de recurrir a diferentes pasos y elementos de paso, llamados cortes cuando se hacen directamente. En gramática cinematográfica pudiéramos llamarles signos de puntuación. Son las transiciones, un recurso tan antiguo como el cine mudo, que debió inventar un modo de que no se notara cuando se cambiaba la película de la cámara. Con el fin de no cortar la acción se utilizaron cortes que no solamente no impedían la comprensión de la historia sino que facilitaban la comprensión, permitían extenderla en el tiempo y creaban una estética diferente. Con el tiempo, constituyeron uno de los elementos más importantes del lenguaje cinematográfico.



La inmensa mayoría de los planos de cualquier película se unían entre sí al corte: acaba uno y empieza otro, sin más. Sin embargo muy pronto se empezó a experimentar con otras formas de pasar de un plano al siguiente. Algunos de esos efectos del cine mudo nos resultan excesivos en la actualidad, aunque como experimentos tuvieron su utilidad.
Cuando se hacen gradualmente se realizan con los llamados «fundido en negro», «fundido en blanco (o en azul, o en cualquier otro color)» y el «fundido encadenado».
El fundido a negro es el recurso más antiguo. Cuando cerramos los ojos, estamos haciendo un fundido a negro, mientras el cerebro funciona, hasta abrir de nuevo los ojos. Es un oscurecimiento de la pantalla al que seguirá una apertura para iniciar la fase siguiente. Muchas veces implica el paso de un periodo largo de tiempo.
En el fundido en blanco, o en cualquier otro color, el plano se traza cada vez más blanco, hasta que se traza el blanco total en la pantalla; es el contrario del fundido en negro (véase) y se denomina también cerrar en blanco (o en otro color).
En el fundido encadenado, la última imagen del plano se va disolviendo mientras, en sobreimpresión, se va afianzando la primera imagen de plano siguiente.
También se utiliza el barrido, cuando la cámara se mueve a toda velocidad de un objeto a otro, o las cortinillas, cuando las imágenes se desplazan hacia un lado o hacia arriba o abajo.
Aunque normalmente se realizan en el laboratorio, algunos fundidos se pueden lograr con la cámara durante el rodaje manipulando el diafragma y obturador en el momento que se quiera el efecto. Por ejemplo para un fundido a negro cerraríamos el obturador progresivamente y para un fundido a blanco lo abriríamos.

Las transiciones en la actualidad
En la actualidad las transiciones se realizan digitalmente y existe un gran número de ellas. Hay que tener en cuenta que cada una de las transiciones deben tener un significado y durante más de 100 años de cine, se han creado unos códigos que es conveniente respetar, utilizar adecuadamente y no fatigar con excesivos cambios al espectador.
Casi todas las transiciones consisten en un paso gradual de un plano a otro. Es conveniente controlar el tipo y el tiempo de la transición en función de lo que se esté contando, y tomar la decisión con criterios comunicativos, si es lento orápido, etc.
Lo normal sigue siendo el corte, como en los primeros tiempos del cine, para que la narración sea fluida. excesivos fundidos y cortinillas ralentizan la acción. Otro recurso de transición bastante normal, es el fundido a negro, o desde negro (o algún otro color). Esto supone un cambio más drástico en el ritmo narrativo, más cercano a un cambio de capítulo.
Ahora bien, hay momentos en que se impone un punto y aparte, o momentos en los que se interrumpe el ritmo normal, en los que es conveniente el uso del encadenado. Las cortinillas, de las que cualquier cámara actual tiene una gran cantidad de variaciones, hay que utilizarlas con cuidado y prudencia, no abusar de ellas. Si no se utilizan, tampoco pasa nada pues, en ocasiones confunden, estorban, ralentizan, despistan o dispersan la comprensión, creando ruidos innecesarios.
las cortinillas son de muchos tipos, rectas, con movimiento hacia todos los lados, circulares, en estrella, y todo lo que ocurra en movimientos digitales. Las hay que distorsionan la imagen, la ondulan, la empequeñecen, le desenfocan, la agrandan, la giran, la convierten en perspectiva, la cambian de color… Cuidado en su uso.

05 PM | 13 Dic

“Harvey Weinstein abusó de mí y me amenazó de muerte”: Salma Hayek

Salma Hayek se convirtió en la última de una larga lista de celebridades que ha decidido dar un paso al frente y narrar la situación de acoso y abuso sexual que vivió a manos del entonces poderoso productor Harvey Weinstein.

En una carta enviada el 12 de diciembre a la redacción de The New York Times, la actriz no duda en afirmar que Weinstein, fue su monstruo durante muchos años, por lo que ante la tormenta desatada en Hollywood por numerosas denuncias contra figuras prominentes del espectáculo, decidió dar un paso al frente y contar su historia.

Afirmó que durante mucho tiempo pensó que había sobrevivido y llegó a pensar que había logrado la paz consigo misma, sin considerarse lo bastante importante para hacer una diferencia pues ya mucha gente había arrojado luz contra “su monstruo”.

“En realidad, intentaba ahorrarme el desafío de explicar muchas cosas a mis seres queridos: como, cuando mencioné por casualidad que como muchos otros yo fui atacada por Harvey, tuve que excluir muchos detalles. Y cómo, por muchos años, fuimos amables con un hombre que me hirió profundamente”, escribió.

Hayek decidió detallar estos incidentes inspirada por quienes han denunciado sus experiencias “en una sociedad que eligió a un presidente señalado por acoso y agresión sexual por más de una docena de mujeres”, y quien además ha alardeado sobre cómo un hombre poderoso puede hacer lo que quiera.

“En los 14 años en los que pasé de estudiante a estrella de las telenovelas a extra en algunas cintas estadounidenses a tener algunas apariciones afortunadas en ‘Desperado’ y ‘Fools Rush In’, Harvey Weinstein se convirtió en el mago de una nueva ola de películas que puso de moda el contenido original. Al mismo tiempo, era inimaginable para una actriz mexicana aspirar a un lugar en Hollywood. E incluso aunque había demostrado que estaban equivocadas, aún no era nadie”.

“Una de las fuerzas que me dieron la determinación a perseguir mi carrera fue la historia de Frida Kahlo, quien en la época dorada de los muralistas mexicanos hizo pinturas pequeñas e intimas que todos menospreciaron. Tuvo el valor de expresarse mientras se mantenía indiferente a su escepticismo. Mi ambición más grande fue contar su historia. Se volvió mi misión retratar la vida de esta artista extraordinaria y mostrar mi México de una forma que combatiera los estereotipos”, continuó.

Al mismo tiempo, Miramax, convertido en el imperio de Weinstein, era un sinónimo de calidad y sofisticación, de artistas complejos y desafiantes, todo lo que Salma consideró que tanto ella como Frida aspiraban a ser, por lo que decidió trabajar para él.

Añadió que en ese momento conocía muy poco al productor, y fue a través de Robert Rodriguez y Elizabeth Avellan, quienes la habían tomado bajo su cuidado en ese momento, lo que facilitó que trabajaran juntos y lo que quizá evitó que Weinstein la violara.

Aunque el acuerdo significaba poco dinero para Hayek, dijo que en un primer momento no le importó, pues estaba feliz que alguien con su trayectoria le dijera que sí y decidiera apostar por su trabajo. “Poco sabía que sería mi turno de decir no”, agregó.

“No a abrirle la puerta a todas horas de la noche, hotel tras hotel, locación, tras locación, donde aparecía inesperadamente, incluyendo una locación donde hacía una película en la que ni siquiera estaba involucrado. No a bañarme con él. No a dejar que me viera ducharme. No a dejarlo darme un masaje. No a dejar que uno de sus amigos desnudos me diera un masaje. No a dejar que me diera sexo oral. No a que me desnudara con otra mujer. No, no, no, no, no”.

“No creo que odiara nada más que la palabra ‘no’. Lo absurdo de sus demandas fue el llamarme furioso en medio de la noche pidiendo que denunciara a mi agente por una disputa que tenía con él sobre una película diferente con un cliente distinto, a arrastrarme al exterior de la gala de apertura del Festival de Cine de Venecia, el cual era en honor a Frida, para que atendiera su fiesta privada con otras mujeres que creía eran modelos pero luego me enteré que eran prostitutas costosas”, continuó.

“El rango de sus tácticas de persuasión fueron de hablarme dulcemente aquella ocasión cuando, en un ataque de furia, dijo las aterradoras palabras, ‘te mataré, no creas que no puedo”, prosigue la actriz en la carta a The New York Times.

Para ella, ese fue el momento en que descubrió que Weinstein jamás le daría la película que le había prometido, pues no la consideraba una artista o una persona, simplemente un cuerpo. Por ello, acudió con sus abogados para intentar deshacer el acuerdo entre ambos.

El productor, en venganza, le puso una serie de tareas imposibles para realizar la película que había escrito, sin embargo consiguió cumplir con sus exigencias, lo que lo ponía en una posición donde tendría que realizar una película que no deseaba.

Añadió que entonces al fin terminaron las escenas de acoso sexual, sin embargo la tensión y la ira del productor aumentaron, atacándola en cada ocasión posible y diciéndole que no tenía nada que ofrecer a excepción de su cuerpo.

Salma durante el rodaje de Frida. Foto de Newsmakers
Sobre Frida, comentó que para esa película ella fue quien habló con el gobierno mexicano, quien consiguió se pudiera filmar en casa de la pintora e incluso captar los murales de Diego Rivera, sin embargo Weinstein solo tomó en cuenta que no se veía sexy en la película, por lo que para lograr su apoyo tuvo que aceptar realizar una escena de sexo lesbico así como un desnudo frontal.

“Tuve que decir que sí. Muchos años de mi vida se han ido en esta película. Era la quinta semana de filmación y había convencido a mucha gente talentosa de participar. ¿Como podía desperdiciar tanto talento?” añadió.

Salma dijo que fue la primera vez que tuvo un colapso nervioso, para sorpresa de sus compañeros, que desconocían su situación y creían que el problema era una escena intrascendente, sin embargo se debía al hecho de estar desnuda con otra mujer para complacer al productor.

Para colmo, este consideró enviar la película directo a video tras decir que no era lo bastante buena para un estreno en el cine, por lo que en esta ocasión tuvo el apoyo del reparto para hacerlo cambiar de idea.

Finalmente, logró un estreno en Nueva York y Los Angeles, convirtiéndose en 2002 en un éxito taquillero que Weinstein nunca quizo y no esperó, entregándole incluso seis nominaciones al Óscar, uno de ellos por mejor actriz, conquistando dos estatuillas.

Fue su único estelar con Weinstein, tras lo cual cumplió su contrato con Miramax haciendo papeles menores.

“Años después, cuando me lo encontré en un evento, me llevó a un costado y me dijo que dejó de fumar y sufrió un ataque cardiaco. Dijo que estaba enamorado y se había casado con Georgina Champan y que había cambiado. Finamente, me dijo ‘lo hiciste bien en Frida, hicimos una hermosa película’”, dijo.

“Le creí. Harvey nunca sabría cuánto significaban esas palabras para mí. Él nunca sabría cuánto me lastimó. Nunca le mostré a Harvey lo aterrada que estaba de él. Cuando lo veía socialmente, sonreía e intentaba recordar las cosas buenas de él, diciéndome a mí misma que fui a la guerra y que gané”.

Al final, Salma Hayek se pregunta por qué las mujeres deben pasar por algo así cuando tienen mucho que ofrecer y considera que las mujeres han sido tan devaluadas que el cine incluso dejó de esforzarse para buscar las historias que las mujeres quieren decir y contar.

“Estoy agradecida con todos los que escuchan nuestras experiencias. Espero que sumando mi voz al coro de aquellas que finalmente están contando lo que sucede se aclare por qué es tan difícil y por qué tantas de nosotras esperamos tanto tiempo. Los hombres nos acosaron sexualmente porque podían. Las mujeres hablan ahora porque, en esta nueva era, finalmente podemos”, concluyó.

Con información de The New York Times

12 PM | 13 Dic

Lenguaje del cine: El encuadre

La selección de la realidad que se quiere filmar
Una película se compone de fotogramas (cada fotografía encuadrada). Cada segundo, pasan 24 fotogramas por la pantalla, lo que quiere decir es que la velocidad de una película normal es de 24 imágenes (fotogramas) por segundo. Sin embargo, la unidad básica del lenguaje cinematográfico es el plano, que se compone de muchos fotogramas (selecciones de realidad).



Detrás del objetivo, a través de un visor, está el ojo humano que opera siempre selectivamente. Según la distancia y la inclinación de la cámara respecto del tema filmado, obtendremos de una misma imagen real una muy variada gama de resultados. La acción de seleccionar la parte de imagen que importa a la expresión buscada recibe el nombre de encuadrar. Al encuadre se le llama comúnmente plano
El elemento básico, el más pequeño, para la toma de imágenes nace de la fotografía y se denomina fotograma. El fotograma selecciona solamente la parte de la realidad que puede abarcar el objetivo, que depende del ojo humano, de la intención de quién filma. Se llama encuadre a la selección de la realidad que realiza el fotógrafo o el operador de cámara. Según la situación en que se coloque la cámara, distancia o ángulo de mira, la selección realizada, es decir, el encuadre, puede variar sustancialmente la visión de la realidad.
Es importante, en educación, hacer ver el valor del encuadre, pues al mismo tiempo que logra centrar la realidad para poderla fotografiar o filmar, la limita, la restringe, lo que hace posible, para bien o para mal, manipularla. La intencionalidad de quien filma o fotografía, se hace realidad, en primer lugar, en el encuadre.

11 AM | 13 Dic

No veríamos a Hugh Jackman en el Universo Cinematográfico de Marvel


Hugh Jackman siempre manifestó sus deseos por ver a Wolverine con los Vengadores, pero cree que su etapa como el mutante ha terminado.

Han pasado varios meses del estreno de Logan y muchos todavía no asimilan el retiro de Hugh Jackman como Wolverine. Y es que después de casi 20 años como el mutante, parece imposible imaginar a alguien más en el papel. La última esperanza para su regreso surgió hace apenas unos días, cuando The Walt Disney Company comenzó negociaciones por la compra de 20th Century Fox y todas sus franquicias. Eso incluye X-Men.

El pasado mes de febrero, Hugh Jackman reconoció que “[si un crossover con Avengers] hubiera sido puesto sobre la mesa cuando tomé la decisión, definitivamente lo habría considerado. Porque siempre me encantó la idea de incluirlo en esa dinámica […], pero hay personas más inteligentes […] que no han podido descifrar cómo hacerlo. Nunca se sabe”.




Y efectivamente, así fue. En aquel momento nos conformábamos con un acuerdo similar al de Marvel y Sony, el cual llevó a Spider-Man hasta el Marvel Cinematic Universe. Sin embargo, ahora las opciones lucen más amplias ante la potencial adquisición de Fox. Es por ello que muchos se preguntan si Hugh Jackman abandonaría el retiro para regresar como Wolverine en el MCU, cumpliendo así su sueño y el de millones de aficionados. Collider habló con el actor al respecto:

“Es interesante porque durante 17 años me la pasé pensando que sería genial, que en particular me encantaría ver a Iron Man, Hulk y Wolverine reunidos. Y cada vez que veía una película de Avengers podía imaginarme a Wolverine al centro golpeándolos en la cabeza. Pero siempre fue como, ‘oh, eso no sucederá’. Y fue interesante cuando vi el titular –era justo la posibilidad de verlo y quién sabe si pasará pronto, obviamente– estaba como ‘¡esperen!’. Pero creo que, desafortunadamente, el barco ha zarpado para mi, pero para alguien más me encantaría ver ahí a Wolverine”.

Quizá las palabras de Hugh Jackman sean decepcionantes para muchos, pero valdría la pena recordar que si la compra de Fox se cierra, Marvel aún tendría que definir la posición de X-Men en su franquicia. Los primeros –y más emocionantes– rumores aseguran que el estudio ya contempla algunos reshoots en Avengers 4 para incorporar a los mutantes en el proyecto, pero la opción se torna compleja ante la situación temporal de los hijos del átomo. Después de todo, parece virtualmente imposible que el veterano equipo que conocimos en la primera trilogía regrese para el crossover, mientras que la nueva trama se desarrolla varios años antes de los sucesos explorados por el MCU.

Finalmente no podemos olvidar que –con todo y las correcciones de Días del futuro pasado (Days of the Future Past)– X-Men ha padecido varios errores de temporalidad que no serían bien recibidos en la meticulosa saga marvelita. Por ello, lo más probable es que el estudio comandado por Kevin Feige dedique algún tiempo a definir la posición de los mutantes antes de incorporarlos plenamente a su franquicia. Eso podría implicar algunos años, lo que complicaría aún más el regreso de Hugh Jackman.

De momento, Avengers y X-Men continúan con sus respectivas aventuras cinematográficas agendas para el 2018: los primeros protagonizarán Infinity War y los segundos The Dark Phoenix Saga.

Emotiva foto del elenco de STAR WARS con Carrie Fisher