11 AM | 13 Feb

Conoce el código de conducta para ir al cine

La BBC publicó un código de conducta con una serie de reglas básicas de convivencia para que las visitas al cine sean más amenas para todos. Todos hemos sufrido alguna vez cuando nos toca ver una película cerca de alguien que no respeta uno o varios de los puntos que aquí se señalan. A veces incluso resulta ser nuestro acompañante quien nos hace pasar una mala experiencia en las butacas y por eso nos parece importante compartir esto. Aquí va:

1.- No comer nada más duro que un pan suave y sin relleno. Nadie quiere escucharte rumiar o masticar de cualquier manera posible. Los nachos son especialmente ofensivos, y del diablo.



2.- No sorber tus bebidas. Ya te tomaste un botellón de cinco litros de refresco, realmente no necesitas el hielo que se derrite. No tienes seis años.

3.- No hacer crujir esas extra crujientes bolsas de alta densidad crujiente. No escarbes para encontrar algo; si lo vas a necesitar durante la película sácalo con anticipación.

4.- No ser un padre irresponsable. Tu hijo de cinco años no quiere entrar a ver la última película clasificación B: estás usando al cine como niñera. Lo gemidos, quejas y llantos de tu niño son tu culpa y molestan terriblemente a todos los demás. Tu sueño interrumpido por las pesadillas de tu hijo también es tu culpa, y te lo mereces.

5.- No hobbies. Esto incluye tejer, vender drogas, armar modelos de aviones, pelear, tener sexo y actualizar tu Facebook.

6.- No hablar. Estás en el cine y viniste a ver, no a discutir. O “participar”, o “explicar” o “dialogar” o lo que sea. Lo más importante es que nadie en el cine pagó $60 pesos para escuchar tu comentario del director. Siéntate y cállate.

7.- No usar el celular. Para nada. Ni siquiera en “modo para avión”. No es un aeroplano, es un cine. Incluso si no parloteas estas creando contaminación visual. Guarda tus pulgares.

NOTA: incluye BlackBerries, Palm Pilots, iPads – lo que sea.

8.- No patear los asientos. La zona de piso enfrente de ti es tuya, ahí puedes poner tus piernas. La parte de atrás del asiento frente a ti es de alguien más; no la toques, interfieras con ella o  invadas el espacio con tus pies, rodillas o cualquier otra parte de tu cuerpo.

9.- No llegar tarde. Como Woody Allen en Annie Hall, se supone que veas las películas desde el principio hasta el final. Si se te hace tarde, ni modo: ve a ver algo más. Puede ser La tristeza y la lástima.

10.- No quitarse los zapatos. No estas en tu casa. Tampoco en Japón (a menos que sí estés, en cuyo caso, adelante). El cine es un espacio público: guarda tus aromas para ti.

AVE(@AloValenzuela)

03 PM | 11 Feb

Torreón: Compartirán visión panorámica del cine

EL INSTITUTO AROCENA INICIARÁ SU CURSO SEMESTRAL, AHORA APRECIACIÓN CINEMATOGRÁFICA

Para dar inicio al próximo curso semestral del Instituto Arocena, “Aproximaciones técnicas y humanísticas del séptimo arte”, mañana a las 12:00 del mediodía en las aulas del ICAMI, se ofrecerá la tradicional sesión inaugural, donde además de ofrecer un panorama de lo que se tratará durante el semestre, se rifarán dos becas para cursos individuales entre los asistentes a la sesión.



El cine es un fenómeno artístico, cultural, comercial y tecnológico. Pero ¿cómo podemos comprender, interpretar y explicar un filme? en el curso se abordarán los principios básicos de construcción del lenguaje cinematográfico y se revisarán algunos criterios de evaluación para analizarlo.

Seis secciones de 6:00 de la tarde a 8:00 de la noche, con un costo de 820 pesos.

El primer curso dará inicio el próximo miércoles 7 de febrero, finalizará el 14 de marzo, y estará a cargo de Leticia Canel, quien ha trabajado como analista de televisión del departamento de Medios Audiovisuales de la Cineteca Nacional, así como productora.

En el programa semestral también participará el maestro Miguel Báez Durán, quien impartirá el curso “Un viaje por el cine de autor”, todos los sábados de 12:00 del mediodía a 2:00 de la tarde. Al igual que Carlos Sáenz, quien durante el mes de abril impartirá el curso “Breve historia del cine”.

Además, como parte del curso se realizará una proyección especial, la Musicalización de la película muda “El hombre mosca” de Harold Lloyd; a cargo de la Orquesta con Espíritu del proyecto DIME, para el mes de junio en la Plaza Peñoles del museo.

Los interesados en inscribirse u obtener más información, pueden comunicarse a teléfono 712-02-33 extensión 105, o enviando un correo electrónico a lharo@museoarocena.com.

En su cineclub
El cineclub del Arocena Cuadro x cuadro, dedicará su ciclo a la introspección, la soledad y los límites de la comunicación. Las funciones continuarán todos los sábados y domingos, a las 4:00 de la tarde, con entrada libre, comentario introductorio y sesión de preguntas al final de cada película. Se proyectará las películas Una cena incómoda, de Miguel Arteta; La llegada, de Denis Villenueuve; La tortuga roja, de Michael Dudok; e David Lowery. Todos los detalles sobre la cartelera, pueden ser consultados llamando al teléfono 712-02-33, o enviando un correo electrónico a info@museoarocena.com; también en las redes sociales del Arocena.

11 AM | 10 Feb

Ministro del Vaticano disertará en México sobre cine y arte sacro

Ciudad del Vaticano, (Notimex).- Para promover un debate creativo sobre la relación entre espiritualidad, cine y arte sacro, el prefecto de la Secretaría de Comunicación del Vaticano, Darío Edoardo Viganó, llegará a México el lunes próximo.

Invitado por la Universidad de Monterrey (UDEM), en el nordeste de México, el clérigo elegido por el Papa Francisco para conducir la reforma de los medios en la Santa Sede, dictará tres conferencias en el marco del 20 aniversario de la Cátedra de Arte Sacro de esa casa de estudios.



“Tendré tres conferencias, la primera será sobre el cine en relación a las sagradas escrituras y las representaciones del cine cristológico, pensando –por ejemplo- en las influencias de Franco Zeffirelli (director de Jesús de Nazaret)”, explicó Viganó, en entrevista con Notimex.

“La segunda se centrará en la capacidad del cine de ser un relato artístico que abre caminos hacia lo sagrado y la tercera es sobre las películas de autor”, añadió el clérigo italiano, apasionado desde siempre de cine y artes audiovisuales, exdirector del Centro Televisivo Vaticano.

Entre otras cosas, proyectará a estudiantes e interesados una parte del filme-documental “Caravaggio, el alma y la sangre”, que este mes llegará a las salas en Italia y cuya dirección corrió a cargo del mexicano Jesús Garcés Lambert.

Viganó subrayó el trabajo de este cineasta que no sólo logró una reconstrucción documental sobre la vida del artista Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), sino que también pudo plasmar sus propias sensaciones.

“Es interesante porque es muy empático. Fue muy bien filmado, el director hizo un enorme trabajo”, precisó sobre la pieza cinematográfica que será proyectada a la comunidad universitaria el 15 de febrero próximo, al mediodía.

El prefecto vaticano reconoció la importancia que han adquirido los directores mexicanos de cine en los últimos años y aseguró que los cineastas suelen estar muy influenciados por el contexto histórico en el que viven, como ocurrió en la época del neorrealismo italiano.

Reconoció que México en la actualidad vive una “efervescencia de cine alternativo”, y citó como ejemplo el festival “Filmar lo Inefable”, que se lleva a cabo desde hace algunos años en Guadalajara, Jalisco, y logra unir a directores experimentados con jóvenes realizadores.

La ceremonia inaugural de las actividades está prevista para la mañana del 13 de febrero próximo en el teatro de la universidad y contará con la presencia de Rogelio Cabrera López, arzobispo de Monterrey.

Esa misma tarde, Viganó sostendrá un encuentro con estudiantes de los programas académicos de licenciatura en Ciencias de la Información y Comunicación y Producción Cinematográfica Digital.

Un día después, el 14 de febrero, se reunirá con alumnos de la División de Arte, Arquitectura y Diseño; mientras el 15 disertará sobre el tema “Arte sacro en el cine. Nuevos lenguajes y métodos inéditos de contar historias en los documentales del centro de producción audiovisual de la Santa Sede”.

 

NTX/I/ABA/SRA/

01 PM | 31 Ene

Cinta mexicana “Tiempo compartido” gana premio en Sundance

Sundance con toque mexicano
La cinta “Tiempo compartido” se lleva el premio a Mejor guion por parte del jurado de ese festival.

Comieza con buenas noticias el Séptimo Arte de nuestro país. Y es que el Instituto Mexicano de Cinematografía celebró el triunfo del filme mexicano “Tiempo compartido”, de Julio Chavezmontes y Sebastián Hofmann, como Mejor guion, en el Sundance Film Festival, encuentro cinematográfico que congrega a lo más selecto de las producciones independientes a nivel mundial, lo que le da un valor muy especial a este galardón.



En el comunicado emitido por el Imcine, se señala que “por haber obtenido, gracias a la película ‘Tiempo compartido’ (Eficine 189 Producción), el premio al Mejor Guión de la competencia internacional de ficción del Festival de Cine de Sundance, celebrado en Estados Unidos”.


El triunfo de la cinta tiene un realce especial al tomar en cuenta que “Tiempo compartido” era la única cinta que representaba a nuestro país en contienda y de paso, fue estrenada durante el encuentro. No todos son buenas noticias, pues mientras se baña con las mieles de la fortuna en el extranjero, en conferencia de prensa, Hofmann dijo que todavía no hay fecha de su llegada a cines de nuestro país. Se espera que el buen resultado que obtuvo le abra las puertas de las pantallas comerciales en suelo azteca.

El elenco está compuesto por Luis Gerardo Méndez, Miguel Rodarte, Cassandra Ciangherotti, Montserrat Marañón y Andrés Almeida.

“Tiempo compartido” cuenta la historia de dos hombres que unen fuerzas armadas para rescatar a sus familias del paraíso, convencidos de que una multinacional de tiempos compartidos quiere quitarles a sus seres queridos.
El Sundance Film Festival se llevó a cabo en el Estado de Utah, en Estados Unidos, del 18 al 28 de enero. “The Miseducation of Cameron Post”, protagonizada por Chloe Grace Moretz, fue la que ganó el Premio del Jurado del festival de Sundance, cuya trama gira en torno a un centro de terapia de conversión gay que trata de engañar a varias jóvenes lesbianas.

El Gran Premio del Jurado en Documental fue para “Kailash”, de Derek Doneen, por el retrato de Kailash Satyarthi, quien dirigió una campaña para acabar con la esclavitud infantil, al tiempo que el premio a mejor dirección fue para Sara Colangelo, quien dirigió la cinta “The Kindergarten Teacher”. El Premio Dramático Especial del Jurado a la Excelencia en la realización cinematográfica fue para “I Think We’re Alone Now”, dirigido por Reed Morano.

10 AM | 22 Ene

Hoy celebramos al director de cine «Sergei Eisenstein»

Sergei Eisenstein, el descubridor del cine como espectáculo de masas
Conocido como el padre del montaje, su película ‘El acorazado Potemkin’ (1925) está considerada una obra maestra de la historia del séptimo arte.

El polifacético Sergei Eisenstein ha pasado a la historia por su maestría en las filmaciones y, sobre todo, por su teoría del montaje en un momento en el que el cine apenas contaba con un par de décadas de existencia. Sin embargo, el vanguardista director también destacó por sus amplios conocimientos de arte, estudió ingeniería y hablaba inglés, francés y alemán.



Todo ello contribuyó a que a pesar de su escasa filmografía —que no llega a 20 películas y algunas de ellas inacabadas—, su obra siga vigente y se continúe revisando con asiduidad por sus aportaciones e influencias en el rodaje, la escenografía, y el montaje en el cine europeo y americano.

Sergei Mijailovich Eisenstein nació en Riga, capital de la actual Letonia y por aquel entonces ciudad del Imperio Ruso, el 22 de enero de 1898. Hijo de padre judío y de madre eslava, desde muy pequeño destacó por su facilidad y precisión por el dibujo, don que lo llevó en 1914 a ingresar en la Escuela de Arquitectura de San Petersburgo. En ella permaneció tres años, ya que en 1917, año de la Revolución de Octubre, el futuro arquitecto dio un giro a su orientado porvenir.

Atraído por la revolución marxista y convencido de sus ideales y de que con el arte podría ser útil a la revolución, Eisenstein se alistó en 1918 en el Ejército Rojo, donde entró en contacto con el teatro al trabajar como responsable de decorados y como director e intérprete de pequeños espectáculos para la tropa. Desmovilizado en 1920, se instaló en Moscú con la idea de aplicar su habilidad pictórica a la escenografía teatral.

Fue sin duda su experiencia como director de escena del Teatro Obrero (1920) lo que lo impulsó a estudiar dirección teatral en la escuela estatal. Sin embargo, cuando tenía 25 años Eisenstein puso fin a su carrera teatral tras un fracaso en el montaje de la obra Máscaras de gas, en el que, según sus palabras, “el carro se rompió en pedazos y el conductor se cayó de cabeza”. Este incidente lo hizo abandonar el teatro y centrarse en el medio que le dio prestigio internacional, el cine, en el que fue un pionero del uso del montaje, ya que para él, la edición no era un simple método utilizado para enlazar escenas, sino un medio capaz de manipular las emociones de su audiencia.

Su primer contacto con el cine fue el rodaje de un pequeño cortometraje incluido en la obra teatral El sabio, que llevaba por título El diario de Glomow. Tal fue su interés por el nuevo medio artístico que, en 1924, rodó el largometraje La huelga, con una famosa secuencia en la que utilizó imágenes de ganado sacrificado en el matadero intercaladas con otras de trabajadores fusilados por soldados zaristas.

Sergei Eisenstein
Sergei Eisenstein
La única copia que había de la película la incautó la censura y no se pudo volver a distribuir hasta después de su muerte, aunque llegó a ser exhibida en Europa y obtuvo el premio en la Exposición Internacional de París en 1925.

Desde ese momento el joven Sergei dedicó gran parte de su trabajo a investigar sobre el montaje. Posteriormente desarrolló su propia teoría, algo que tendría una gran influencia en los directores europeos y de Hollywood y que aún continúa vigente.

Sergei Eisenstein no solía utilizar actores profesionales en sus montajes porque el argumento de sus obras iba dirigido a cuestiones más amplias de la sociedad, especialmente a los conflictos de clases. Sus actores, por tanto, eran en la mayoría de los casos personas sin entrenamiento en el campo dramático y provenían de ámbitos sociales adecuados para cada papel.

Con una sola película rodada, el joven director recibió el encargo de rodar la conmemoración de la Revolución de 1905, y la que se convertiría en la obra más célebre de su carrera y una de las mejores de la historia del cine: El acorazado Potemkin (1925). Para entonces la expectación ya era grande porque había dotado de cobertura intelectual al recién nacido espectáculo de masas que era el cine. En la película, la escena del amotinamiento en el barco y la vertiginosa escena de acción de la escalinata constituyen hitos del lenguaje cinematográfico y uno de los mayores logros del cine mudo.

Sergei Eisenstein
Cartel de la película muda ‘El acorazado Potemkin’, de 1925, dirigida por Sergei Eisenstein
El acorazado Potemkin dio a conocer su nombre en todo el mundo y posiblemente sea la película sobre la que más se ha escrito en toda la historia del cine. El guión fue escrito para una película de ocho episodios, pero al rodar el capítulo dedicado al motín del acorazado Eisenstein decidió centrar la película en ese episodio. Para ello buscó a los supervivientes de la masacre y localizó los dibujos de un francés que había sido testigo de lo ocurrido. Gracias a una serie de experimentos técnicos (pantallas reflectantes, fotografía desenfocada y plataformas móviles entre otros) los resultados fueron asombrosos.

Eisenstein rueda su película en 1.290 planos combinados con genial maestría mediante un montaje rítmico, ya que considera innecesarios los movimientos de cámara, y solo realiza varios travellings. En El acorazado Potemkin destaca la escena de la escalinata, con 170 planos, en la que el pueblo es brutalmente agredido por las fuerzas zaristas y donde crea un ‘tempo’ artificial que hace que la secuencia dure casi seis minutos. La película, con una espléndida fotografía en la que la masa se convierte en la auténtica protagonista de la obra, acabará por ser considerada la primera obra maestra del cine.

Tras esta gran película realizará dos trabajos más, la genial Octubre (1927), en la que narra los sucesos del asalto al Palacio de Invierno durante la Revolución rusa de 1917, y La línea general (también conocida como Lo viejo y lo nuevo), película sobre la reforma agraria, aunque por los cambios en la Unión Soviética tuvo que modificar su guion en varias ocasiones. En estas dos obras Eisenstein volvió a experimentar con un nuevo lenguaje a través de las imágenes, pero por su complejidad no llegaron a ser muy bien comprendidas en su época.

En ese momento, Sergei Eisenstein empezó a tener serios problemas con la censura soviética, que lo llevaron a viajar a Europa en 1930 para investigar sobre el sonido y a firmar después un contrato con la Paramount y trasladarse a Estados Unidos, donde llegaría a cobrar hasta 900 dólares a la semana.

Lo que Eisenstein llevaba de bagaje cuando llegó a Hollywood era tres películas: La huelga, El acorazado Potemkin y Octubre, algo más que suficiente para que el mismo Hitler, tras llegar al poder en Alemania, lo hubiera puesto como ejemplo por su practicidad marxista para copiarlo en el cine nazi de adoctrinamiento.

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Sin embargo, el consagrado Eisenstein no consiguió el permiso de residencia en Estados Unidos ni poner en marcha ningún proyecto, por lo que decidió viajar a México. Nada más llegar al país fueron encarcelados tanto él como sus dos ayudantes de dirección, todos rusos, pero gracias a la intervención de un amigo español el panorama cambió hasta el punto de que lo nombraron en huésped de honor. Inició en el país centroamericano la producción ¡Que viva México!, en la que experimentó diferentes montajes, aunque no pudo acabarla al quedarse sin patrocinador.

Escena de “Eisenstein en Guanajuato”
Tras su mala experiencia como cineasta en el exilio, Sergei regresó a la Unión Soviética, donde continuaron las dificultades para desarrollar su trabajo, así que decidió dedicarse a la redacción de textos teóricos mientras desde el poder se atacaba tanto su obra como su persona. Pese a ello, rodó Alexander Nevski (1938), su primera película sonora y con la que ganó el Premio Stalin.

En 1943 inició, con el rodaje de Iván el Terrible, un ambicioso proyecto biográfico concebido como trilogía sobre a la figura del zar Iván IV de Rusia, pero el régimen soviético interpretó la obra como una denuncia a la personalidad de Stalin y prohibió la segunda parte -después de haber conseguido otro Premio Stalin con la primera- hasta la muerte del dictador en 1953, cinco años después del fallecimiento del propio director cinematográfico. Tras esa decisión Eisenstein no rodó ni la tercera parte ni ninguna película más.

Sergei Eisenstein, que plasmó sus estudios en obras como Teoría y técnica cinematográfica, La forma en el cine, Reflexiones de un cineasta y La realización cinematográfica, entre otras, murió el 11 de febrero de 1948, a los 50 años, tras sufrir una gran hemorragia a raíz de un infarto.

La genialidad artística de Eisenstein, su teoría del montaje y sus enseñanzas en el lenguaje cinematográfico, no solo contribuyeron en su momento a la mayoría de edad del cine, sino que siguen vigentes hoy en día como una referencia e influencia muy clara en los grandes directores.

07 PM | 29 Dic

Guillermo del Toro escribirá y dirigirá remake del clásico de culto Nightmare Alley

Luego que el paso por cartelera de The Shape of Water finalice y la temporada de premiación haga lo propio con la entrega del Óscar, Guillermo del Toro ha anunciado que se tomará un año sabático para cargar pilas, pero eso no le ha impedido confirmar su presencia en un par de filmes que pretende poner en marcha en el futuro no muy lejano.

El primero de ellos, será el anunciado remake de Fantastic Voyage, que será producido por James Cameron. El otro, será el remake del film-noir Nightmare Alley, el cual aborda como director.



De acuerdo con información publicada por Variety, Del Toro co-escribirá y dirigirá una nueva versión del clásico de culto de 1947.

El thriller noir protagonizado por Tyrone Power, centraba su trama en el aventurero Stanton (Power) quien llega a una feria deseoso de abrirse camino. Tras sentirse impactado con el “monstruo” que allí exhiben, conocerá a Zeena, la pitonisa de a bordo, y luego a Molly, una joven que se siente atraída por él. Entre ellas, las ambiciones del protagonista empezarán a despertar, hasta trazar un proyecto donde la vida asumirá su fortuna implacable.

La película no fue bien recibida a su lanzamiento, sin embargo con el tiempo, se le llegó a considerar como un clásico de culto.

Las fuentes indican que este proyecto probablemente no será el que dirija una vez que su año sabático concluya, ya que del Toro está por escribir el guion junto a Kim Morgan.

Fox Searchlight se coloca detrás de la producción. El estudio actualmente distribuye la aclamada por la crítica The Shape of Water, una de las cintas favoritas de cara al Óscar.

Esperemos que este sea uno de los proyectos de del Toro que sí se concrete, ya que el querido cineasta tiene una suerte inestable en relación a las producciones en las que se involucra. Podríamos decir que aborda, desarrolla y abandona más proyectos, de los que termina realizando. Entre sus más conocidos se encuentra The Hobbit, At the Mountains of Madness, Hellboy III –que marcaría el cierre de una trilogía planeada– y más recientemente, su propia versión de Pinocho.

De momento, detalles adicionales sobre el remake del clásico, como su fecha de estreno, no se han dado a conocer.

¿Te gustaría un remake de Nightmare Alley a cargo del mexicano? ¡Déjanos tus comentarios!

The Shape of Water llegará a México bajo el título La forma del agua el próximo 12 de enero de 2018.

02 PM | 29 Dic

Actualización de detalles de Ant-Man and The Wasp

Lo más reciente que publicamos sobre ‘Ant-Man and The Wasp’ es que dará inicio al Multiverso de Marvel Studios. La actriz Evangeline Lilly fue quien lo confirmó, hablando también de su papel en ‘Avengers: Infinity War’ así como de los personajes de la nueva película del hombre hormiga Hope Van Dyne y Hank Pym.

“Si tenemos éxito en Ant-Man and the Wasp, entonces eso abrirá todo un nuevo Multiverso entero para entrar y jugar con el. No soy la creadora de la historia, así que no puedo decirte lo que van a hacer con ello. Pero definitivamente veo el potencial allí”.



“Estoy rodando en ambas, pero mucho menos que Paul. Mi personaje es mucho menos prominente en los Vengadores que el suyo. Hasta el momento solo he grabado un día en los Vengadores y haré algo más después de terminar con Ant-Man y Wasp, pero podre irme. No estoy segura si podré irme de Atlanta antes de comenzar a grabar con los Vengadores. Creo que estoy atrapado aquí hasta Año Nuevo”.

“Esos personajes son expertos en el ámbito cuántico. En Ant-Man and the Wasp, están intentando, con todo lo que está en su poder, entrar de forma segura en el reino cuántico y poder regresa, porque tienen evidencias desde la primera película de que Scott fue capaz de hacelo. Si el pudo hacerlo, ¿por qué ellos no?”.

Ahora es el director Peyton Reed quien habla sobre cuatro de los protagonistas.

“Ant-Man / Scott Lang
Los acontecimientos del “Capitán América: Civil War” nos dieron algo claro, que es: ¿cuál fue la reacción de Hank Pym y Hope Van Dyne al ver que Scott ha llevado esta tecnología al mundo exterior en Civil War? Nos divertimos mucho jugando con eso. Y jugamos mucho con el tamaño y la escala. Me encanta la idea de Giant-Man.

Wasp / Hope van Dyne (Evangeline Lilly)
Esta es realmente su fiesta de presentación como un héroe. Sus poderes en conjunto son fantásticos. Ella y Scott se encogen, pero está el vuelo, y el estilo de pelea de la Avispa es diferente al de Ant-Man.

Hank Pym (Michael Douglas)
Los acontecimientos de Civil War, y cómo Scott reaccionó a eso, han llevado una gran trecho en el trabajo. Pero su curiosidad se ha despertado sobre el Reino Cuántico y si Janet aún podría estar viva allí.

Janet van Dyne (Michelle Pfeiffer)
Es un personaje muy importante. Es justo decir que si alguien hubiera pasado treinta y tantos años en el Reino Cuántico y hubiera sobrevivido, tendría un efecto. ¿Qué comió ella? Todo lo que come son unos cereales llamados Krispies Cuánticos”.