12 PM | 12 Dic

“Sin Origen”, cinta de Vampiros del cineasta Rigoberto Castañeda (Kilómetro 31)

Los arcanos, personajes que se dedican a la caza de vampiros, han tomado Morelos y un viejo paraje del Ajusco, para revivir en pleno siglo XXI.

Estos son personajes básicos de “Sin origen”, cinta dirigida por Rigo Castañeda (Kilómetro 31), producida por Leo Zimbrón y Arnold Rifkin, este último compañero de cine de Bruce Willis en la saga “Duro de matar”.

Rifkin fue quien propuso el guión original de Michael Caissie, adaptado posteriormente por Castañeda.



La cinta comenzará cuando una familia adinerada e involucrada en el crimen organizado es atacada a flechazos por hombres vestidos de negro como del medioevo y que también portan espadas.

“Resulta que es el día límite para salir de la situación que viven, están en una casa tipo búnker en medio de la nada y rodeados de decenas de escoltas que comienzan a morir por flechas y no saben bien qué es”, narra Castañeda, “vamos a tratar de abrir un poco la puerta al mundo de la fantasía, la acción y el terror, tiene muchas escenas de peleas”.

“Sin origen” es protagonizada por Daniel Martínez, Arap Bethke, Horacio García Rojas y Lissete Morelos, así como los niños Matías del Castillo, Paulina Gil y Paola Marín.

“Tuvimos entrenamiento de combate escénico dos meses antes de arrancar, ha sido divertido esto de los arneses”, señala Bethke, quien interpreta al líder arcano.

“Los arcanos son soldados legendarios que vienen de Francia, Italia y Rumania, con predilección por las armas antiguas, pero también cuentan con alta tecnología que utilizan para cazar a estos seres y hay que saber usar todo”, expresa.

Cada arcano, agrega el actor, tiene la cara tatuada con figuras basadas en pasajes bíblicos.

“Y usan las cenizas de los vampiros muertos para ponérsela en la cara; ha sido divertido, tenemos algunos rasguños y ampollas en las manos por el uso constante de espadas, pero nada más”, detalla.

Paloma Arredondo prepara a los niños actores, quienes prácticamente juegan frente a la cámara. Hubo talleres previos, de meses, para la preparación de sus personajes.

“La película se filmó mucho de noche y estaban preparados y había que cuidarlos porque son muy guerreros y quieren hacer más (risas) y a todos nos gusta jugar a espantar”.

Una casa real de una extensión de mil 500 metros cuadrados, hecha de vidrio y metal, fue la locación principal, con algo de construcción en foro, donde los arcanos vuelan (usando grúas de hasta 50 metros); también tienen sesiones de planeación.

En ambos lugares, uno en Morelos y otro en el Ajusco, los efectos se hicieron en set.

“Hay prostéticos —alteraciones del cuerpo con ayuda de rellenos, maquillaje y otros elementos— y stunts para cada arcano; generalmente en películas así se hace mucho CGI, aquí digitalmente sólo se van a hacer algunas explosiones y balazos; se verán trigales maravillosos que encontramos”.

El propio Daniel Martínez fue el coreógrafo de las peleas que se verán en la cinta que esperaría estreno en 2018, pero que no desean apresurar para entregar lo mejor posible.

“Hay mucha acción , mucha aventura y ritmo, intentando hacer algo novedoso para el cine mexicano”, expresa Castañeda.

“Sin origen”, que tuvo un presupuesto de 2 millones de dólares, contó en la fotografía con Germán Lammers (Cinco de mayo, la batalla).

09 AM | 23 Nov

“El cine mexicano pasa por gran momento”: Guillermo Arriaga

El cine mexicano pasa por un gran momento en el mundo y se esta abriendo un camino sólido con presencia en festivales y grandes historias, afirmó el escritor y director Guillermo Arriaga.
“El momento del cine mexicano es sólido, y no se puede comparar con la época del cine dorado porque cada una ha tenido sus circunstancias”, declaró el ganador de premios fílmicos en Cannes y Venecia.



“Cada una ha tenido sus circunstancias, posibilidades y limitaciones. El cine mexicano en la época de oro aprovechó que Estados Unidos estaba en guerra y estaba más preocupado por hacer otras cosas y México aprovechó para crear su espacio propio”, expresó.
“En la actualidad el cine mexicano es gran atracción en festivales y sus logros se dan cuando la competencia actual es feroz en medio de condiciones de mercado que son las que rigen y son difíciles”, aseguró.
“Por esas condiciones es más merito para el cine mexicano que sigue teniendo cintas taquilleras y que se abren paso para una buena época y lo más importante que actores, directores y talento tienen trabajo”, añadió.
Arriaga ofrecerá el próximo 28 de Noviembre en el Centro de Teatro de Los Ángeles (LATC, por sus siglas en inglés) una clase maestra sobre guión, en un evento organizado por la Fundacion de la Universidad de Guadalajara.
“Esta clase de alguna manera ya la he impartido en Australia, Nueva Zelanda, Brasil y en Nueva York”, compartió el escritor, novelista y director.
En este curso he tratado de brindar conocimiento que he acumulado a lo largo de mi carrera como escritor y director y con quien tenga interés en la escritura.
“A quien se quiera abrir paso no hay nada que tope puerta, la mejor manera es tener algo bien escrito y hacer las cosas lo mejor posible”, recomendó para quien aspire ser guinista.
Manifesto que de manera afortunada el galon de tinta de creatividad no se le ha agotado. “Sigo escribiendo varias cosas acabo de publicar una nueva novela: “El salvaje”. Esta ya va en su cuarta edición en México y España y ya se vendio para ser editado en otros idiomas como ruso, chino, polaco, francés y alemán.
Arriaga ha escrito novelas como “Escuadrón Guillotina”, “Un dulce olor a muerte”, y “Amores perros”, que recibió nominaciones al premio Oscar y al Globo de Oro a la Mejor película extranjer.
Tambien escribió junto con Alejandro González Iñarritu “21 gramos” y “Babel” así como “Los tres funerales de Melquiades Estrada”, “Búfalo de la noche” y “The burning plain”.
En 2015, una película venezolana basada en un cuento de Arriaga, “Desde allá”, ganó el León de Oro a la Mejor película en el mismo festival.
Sobre su incursión en Hollywood mencionó que esta industria lo ha tratado muy bien. “Hollywood ha sido generoso, nos ha dado oportunidad a los mexicanos de trabajar alla”, finalizó.

10 AM | 05 Nov

La comedia de “Tin Tan”, un mundo dentro del cine clásico mexicano

La comedia del actor mexicano Germán Valdés “Tin Tan” (1915-1973) representa un mundo dentro del cine mexicano que merece ser preservado y redescubierto por las nuevas generaciones, dijo hoy a Efe el investigador de la Cineteca Nacional, José Antonio Peña.

“Crea todo un universo propio de lo clásico”, explicó Peña en una rueda de prensa en la que se anunció la creación de la fundación que preservará la obra fílmica de “Tin Tan” conformado por un centenar de películas y su discografía, con más 30 discos.

La comedia de Valdés “no tiene comparación al poseer elementos únicos que lo hacen muy poco teatral, nada verbal y completamente cinematográfico”, aseguró.



Ya fuese como cantante español, maestro de ópera italiano o como ferrocarrilero del tren del Bosque de Chapultepec, “Tin tan” era reconocido por su versatilidad y la “capacidad subversiva que ponía a sus personajes”, indicó Peña, además subdirector de información de la Cineteca.

“Son películas raras para las nuevas generaciones porque son en pantalla grande, blanco y negro, proyectadas en 35 mm, de hace siete décadas y con un personaje que desde que aparece en pantalla te hace reír, enamora al público”, compartió.

Aseguró que frente a otros cómicos contemporáneos como Adalberto Martínez “Resortes” o Antonio Espino “Clavillazo”, el protagonista de “El Rey del Barrio” (1950) y “El Ceniciento” (1952) fue “un personaje musical, con bromas y comentarios sociales agudos de lo que estaba pasando en México urbano”.

Por ello, apuntó, “Tin Tan” es considerado fundador de la comedia del cine clásico mexicano, además de ser reconocido por defender la identidad de la comunidad chicana, de la que se alimentó para crear a su personaje “El Pachuco”.

“Era un personaje con una visión del mundo que denunciaba la corrupción, el desamor, la disparidad social y cosas que a la fecha son lo que finalmente hace a la sociedad mexicana estar en este conflicto perpetuo del que habló hace más de sesenta años”, explicó.

Rosalía Valdés, encargada junto a su hermano Carlos, de la preservación de la obra de su padre, dijo que “Tin tán” “destapó verdades en su época de la que los jóvenes hablan hoy, de ahí su trascendencia social”.

“El sentido del humor de mi papá era un recurso y el mexicano se ríe hasta de las tragedias como un recurso natural hasta para la salud mental. No es promover el ocio, sino una actitud que genere talento”, puntualizó.

Rosalía enlistó la lingüística, la improvisación y la fusión como parte del trabajo de su padre, como ocurrió con “I wanna hold your hand”, tema de los The Beatles de la que hizo una versión de rock y mariachis titulada “Quiero rascarme aquí”.

Rosalía expresó que le “preocupa y molesta la comedia barata con producciones sin calidad de las que se ríen los niños donde hay bullying, problemas, violencia o risas por nada”.

Los herederos junto con otras fundaciones buscan “ser promotores de una comedia que fortalezca y ayude con nuevos proyectos para que surjan nuevos comediantes de la misma altura”, sostuvo.

Germán Valdés “Tin Tan”, contó Rosalía, es parte del turismo de México y Estados Unidos, país donde empezó su carrera “no para ser alguien importante en Hollywood”, sino para traer “la fayuca lingüística” que le mereció los doblajes para Walt Disney como Baloo en “El libro se la selva” y Thomas O’Malley en “Los Aristogatos”.

Carlos Valdés, hijo del comediante, postuló a padre “entre los cómicos internacionales como Harold Lloyd, Charles Chaplin o Marcel Marceu, personajes que realmente te hace reír sin importar la edad que tengas, porque vas a ver y reconocer un talento extraordinario”.

La Fundación Germán Valdés, tiene como fin asegurar la herencia artística para la creación de una próxima serie biográfica; además de una película, ciclos de cine, programas interactivos, mesas redondas de análisis de la comedia y activar la comedia consciente en los jóvenes. EFE.

07 PM | 29 Oct

“El cine se ha ahuevonado”: Alfonso Cuarón

“El cine se ha ahuevonado”
El ganador de dos premios Oscar habla de ‘Roma’, su nuevo proyecto, y de la reconstrucción de México tras los terremotos.

Fue el retorno del hijo pródigo. Alfonso Cuarón (Ciudad de México, 1961) visitó esta semana el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC) después de nueve años. El joven que inició su carrera en las aulas de esta escuela de la UNAM filmando cortos en blanco y negro volvió una mañana de octubre con dos Oscar a cuestas y reputación de maestro del cine contemporáneo. Frente a los estudiantes de licenciatura, contó a los alumnos sobre Roma, su nueva película. La cinta significa el regreso de Cuarón a filmar a México tras 16 años (Y tu mamá también). El nuevo proyecto, que se estrenará el próximo año, tiene una “investigación casi sociológica” y sus detalles son guardados con celo. Cuenta la historia de una familia de clase media en el México de inicios de los años 70. “No es cine de época, sino una película contemporánea que está sucediendo hace 50 años”, dijo.

Pregunta. Una de las grandes leyendas del cine mexicano dice que lo corrieron de esta escuela.

Respuesta. Es cierto. Pero no tiene nada que ver con lo que cuentan.

P. Se dice que fue por haber hecho un cortometraje en inglés.

R. La verdad tiene que ver con varios factores. Era una escuela muy disfuncional. Estaban estos maestros, que siguen siendo el pilar, y a los cuales agradezco profundamente. Lo que aprendí en el CUEC lo aprendí de ellos. Pero no había la estructura para dar clases. Ni el equipo.

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P. Ahora estamos sentados junto a una consola de decenas de miles de dólares. ¿Los jóvenes lo tienen más fácil hoy?

R. Mucho más fácil. La posibilidad de hacer cine en mi generación no existía. La generación anterior, de Felipe Cazals y Arturo Ripstein, estuvo muy lastimada. Pudieron producir lo suyo muy poco. Tuvieron que hacer muchas chambas. Felipe hizo Rigo es amor. Arturo hizo La Ilegal. Era muy frustrante porque el cine mexicano era inexistente fuera de México. Ahora vivimos una generación donde el cine mexicano tiene credibilidad. Hoy hay muchísima producción. Eso también me preocupa.

P. ¿Por qué?

R. Veo estas instalaciones… Deberías haber conocido las instalaciones del CUEC de mi generación. Era una casa en la colonia Del Valle medio adaptada. Aquí tienen sala Dolby Atmos, un foro, mucho equipo… Me parece admirable para una universidad que sigue siendo prácticamente pública. Por otro lado, me preocupa que tanto equipo y tanta producción se puedan traducir en la pérdida de visiones personales. Y tanta producción implica mucho empleo. Eso puede producir falta de rigor.

Ahora vivimos una generación donde el cine mexicano tiene credibilidad
P. ¿Y de creatividad?

R. Es un peligro. Siempre habrá cineastas que entienden que las limitaciones son parte del proceso. Es un peligro que esta generación se convierta en una generación niñata, que tengan mucho acceso. Antes era muy angustiante sentir que no tenías futuro. Que tenías ambición por hacer cine y tu futuro eran promocionales gubernamentales. Admiro a las nuevas generaciones. Son jóvenes muy informados. Mi hijo de 12 años habla de pantallas azules y verdes, cosas que yo no entendía hasta hace unos años. Hay una parte que hace parecer a las escuelas de cine irrelevantes. Pero brindan una de las cosas más importantes: crean comunidad y pertenencia. Aquí comencé a trabajar con El Chivo [Emmanuel Lubezki] y he continuado trabajando con él muchos años después.

P. Hace un momento causó mucha conmoción en los alumnos cuando dijo que “la narrativa es el veneno del cine”.

R. El cine se ha ahuevonado, se ha aletargado en el sentido de convertirse en una herramienta narrativa. La narrativa debe ser una herramienta del cine. Admiro la narrativa, pero el cine contemporáneo mainstream son películas que puedes ver con los ojos cerrados. Llegas, compras las palomitas, te sientas en tu asiento y cuando apagan la luz cierras los ojos. Cuando acaba la película y abres los ojos, no te perdiste de nada. Todo te lo contaron. Esas películas, muchas de ellas adaptaciones de novelas, las llamo literatura para huevones. Gente demasiado huevona o iletrada para leer el libro, entonces prefieren ver la película. Eso para mí no es la experiencia fílmica. La experiencia fílmica es donde debes tener los ojos bien abiertos y, si es sonora, tener los oídos muy presentes. Rendirte al lenguaje fílmico. Ese es el cine que a mí me interesa.

P. Pasó su infancia en la calle Tepeji de la colonia Roma. ¿Por qué le interesó volver a ese lugar y aquella época en su nuevo proyecto?

R. La vida me exigió hacer esta película. Fue un salvavidas que me aventaron a la mitad de una tormenta en medio de un océano inacabable. A veces llego a sentir que la película no la creé yo. Había una ansiedad de revisitar ese universo, sí. Pero no solo ese. También el del país que viví en mi infancia. Descubro que es un país que no ha cambiado. Sus tendencias negativas siguen a flor de piel. La película no es acerca de mí.

Roma fue un salvavidas que me aventaron a la mitad de una tormenta en medio de un océano inacabable
P. ¿No es autobiográfica?

R. Es profundamente autobiográfica, pero yo no soy el personaje de la película. El 95% de las escenas que salen son nacidas en mi memoria.

P. ¿Qué siente haber rodado en las colonias que hoy son el epicentro del dolor en la Ciudad de México tras el terremoto?

R. La película está muy conectada a la relación que tengo con la Ciudad de México. Salí de la ciudad hace 27 años. Estoy fuera de sincronía con toda la gente que vive aquí, incluso con mis amigos. La ciudad está llena de presente. Para mí es una ciudad repleta de pasado. No puedo estar en ningún lugar sin comparar cómo era. Ha habido una transformación impresionante. El cambio es brutal, con una falta de respeto a la arquitectura, al orden urbanístico y a las comunidades.

Por otro lado, la vida política en la que crecí era muy opresiva y deprimente. Ahora veo generaciones vibrantes, explosivas. Se sienten llenas de posibilidades y ciudadanos del mundo. Nosotros vivimos un aislamiento. Esta ciudad es ahora cosmopolita, algo que admiro y respeto. Se ha convertido en un marco de referencia cultural en el mundo.

La Ciudad de México se ha convertido en un marco de referencia cultural en el mundo
P. El 23 de septiembre debutó en Twitter con este mensaje: “Nada puede detener a quienes se levantan”. ¿Por qué rompió su silencio en las redes?

R. Para sumarme a un esfuerzo de la sociedad civil. Y para manifestar la necesidad de que la reconstrucción sea la creación del México del siglo XXI. A mí no me interesa una reconstrucción para regresar al país como estaba. Es muy claro que el país está profundamente jodido. Se está hablando de una reconstrucción social. Quedó manifiesta la disparidad social, que ya era obvia, pero que el terremoto magnificó. También los abusos y el tratar de aprovechar una tragedia natural para imponer políticas o contratos económicos, hacer chanchullos. A final de cuentas es para dejar claro que me estoy enganchando a un movimiento civil, no necesariamente político.

P. ¿Qué opina sobre The Shape of Water, de Guillermo del Toro?

R. Tiene una absoluta belleza. Yo no lloro en el cine y ya van dos veces que Guillermo me hace llorar. Es profunda y poética. Utiliza los elementos de un cineasta poético, me refiero a F. W. Murnau siendo poético. El uso de las criaturas como una metáfora del otro, algo que cada vez se evidencia más en nuestra humanidad.

La otredad se está manifestando con mucha intolerancia en cada aspecto del quehacer humano. En Estados y gobiernos, en entidades nacionalistas, en la cultura de género y la supuesta aceptación al raro o distinto. Detrás del disfraz sigue habiendo un rechazo tremendo al otro. En el aspecto racial es impresionante. México es un país tremendamente racista que tiene un desprecio al otro. El México criollo y mestizo desprecia al México más indio. Siempre lo queremos ocultar con términos como clasismo y no racismo. Hay que empezar a definir las cosas por lo que son. La película de Guillermo es tremendamente importante. Ha hecho un referente en el cine mundial, no solo en el de fantasía. Será un marco de referencia cuando se hable del cine de los 2010. Guillermo ha hecho una obra maestra.

08 PM | 28 Oct

CINE MEXICANO ¿Para qué hacer tantas películas si no se exhiben?: Ernesto Contreras


Desde el FICM, el cineasta mexicano habla de Sueño en otro idioma, su película premiada en Sundance, y de su próximo cargo como presidente de la Academia mexicana de cine.
El cineasta mexicano Ernesto Contreras ha conquistado a la que podría ser la parte más difícil del ciclo vital de una película: el público. Su cinta más reciente, Sueño en otro idioma, ha ganado seis premios alrededor del mundo; tres de ellos fueron otorgados por el público de Florida, Minneapolis y Sundance, respectivamente.

“El viaje con la película ha sido muy bonito”, afirma Contreras. “Me conmueve mucho escuchar las reacciones del publico y, sobre todo, saber que conecta con todos ellos. ¿Qué más puedo pedir?”. A la cinta le quedan algunos festivales más por conquistar, entre ellos el de Tesalónica y Huelva, en Grecia y España, respectivamente. “Estamos preparando el estreno para febrero 2018”, nos adelanta el director de Párpados azules. Para él, estos galardones de la audiencia significan mucho. “Espero que ayuden al estreno y empujen el interés de la gente por verla”.




Ernesto recientemente realizó un corto de la película La habitación, terminó El chapo, la polémica serie de Netflix y comenzará otra más en noviembre. De ésta última no nos puede contar nada por ahora pero nos adelanta que será policiaca y que no será lanzada vía streaming. Además, ese mismo mes iniciará su gestión como presidente de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias cinematográficas (AMACC), responsable del premio Ariel, entre otras cosas.

“Es un momento muy emocionante en mi vida”, nos cuenta y nos da un pequeño adelanto de lo que hará al frente de dicha institución, cuando termine el periodo presidido por la destacada actriz mexicana Dolores Heredia. “Estamos preparando la presentación del plan de trabajo. Plantearemos muy detalladamente los pasos a seguir y con qué objetivos. Lo único que puedo decir es que estoy muy conmovido y honrado por haber sido votado para la presidencia. Es un gran compromiso y una responsabilidad tremenda”.

“La Academia no sólo es el Ariel”, afirma el director de Las oscuras primaveras. “Tenemos objetivos muy claros que tienen que ver con la defensa, difusión, preservación e investigación del cine nacional. Siempre hay actividades que apoyen eso, ya sea restaurando películas, haciendo foros y encuentros, además de la entrega de nuestro premio, que es la ventana más importante para que las películas se conozcan. Además, vienen un montón de cosas más que estamos preparando y que ya te compartiré”, nos dice con una enorme sonrisa.

Ernesto sabe que llegará a presidir la AMACC –recién mudada a la casa de Luis Buñuel en CDMX– en un año complicado, no sólo por la renegociación del TLC sino por el año electoral donde se decidirá al próximo presidente de México. “Es un año complicado pero muy interesante”, nos cuenta. “Es un año en el que se podrán hacer muchas cosas. Tengo junto a mi un equipo muy comprometido que me da la confianza necesaria de que vamos a lograr nuestros objetivos”.

Al preguntarle si se acercaría con los candidatos a la presidencia de México para establecer acuerdos, Contreras dijo que se acercarán a todos ellos. “La Academia tiene esa posibilidad y esa voz. Durante estos años, la AMACC se ha fortalecido y considero que, si bien pasó tiempos difíciles, ahora hay un mayor interés y acercamiento de la industria con las nuevas generaciones. De nada sirve hacer tantas películas si no se llegan a exhibir todas. Es parte de las discusiones y del dialogo en la academia. Hay que explorar todas las posibilidades de diálogo”.
Sueño en otro idioma estrenará en México en febrero de 2018 y será el próximo mes de noviembre, cuando Ernesto Contreras asuma la presidencia de la AMACC, luego del término de gestión de Dolores Heredia al frente de la Academia mexicana de cine.

Fuente

01 PM | 07 Mar

‘Ladronas de almas’ es una historia de muertos vivientes en la Independencia

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El cineasta Juan Antonio de la Riva, uno de los más conocedores y entusiastas promotores del cine nacional, propone fortalecer una red de cinetecas a escala nacional que permita que una película mexicana tenga aseguradas, al menos, la exhibición en 30 ciudades en el país, algo que, en sus palabras se volvería muy significativo para cualquier realizador de México.

De la Riva afirmó lo anterior al referirse a su cinta Ladronas de almas, de terror, primera que hace en formato digital, tendrá su estreno comercial el 10 de marzo.

Hace unos días tuvo un preestreno en Colima como parte del programa itinerante Semana de Cine Mexicano en tu Ciudad. Y luego de que en 2012 estrenara Érase una vez en Durango, De la Riva regresa con Ladronas de almas, película con la que incursiona en el género de terror.

La historia de la película, cuyo guión fue escrito por Christopher Luna, se desarrolla en la época de la Independencia y lleva a conocer parte de la vida de las hermanas Cordero, interpretadas por Sofía Sisniega, Natasha Dupeyrón y Ana Sofía Durán, quienes defenderán su hogar de un grupo de realistas, utilizando como arma a un muerto viviente, sometido a ellas después de arrebatarle su alma.

Sobre el impulso de hacer una película del género de horror, el director de cintas, como Pueblo de madera, Elisa antes del fin del mundo o El gavilán de la sierra, ofreció una entrevista al Instituto Mexicano de Cinematografía (Imcine) en la que compartió parte del origen de su nuevo trabajo fílmico.

Contó: Desde el guión estaba bien resuelta la trama, sobre todo lo inverosímil que representa una historia de zombis en la época de la Independencia de México… Es un reto y un placer como director tener la posibilidad de hacer cualquier género.

No se trata de zombis, dice

De la Riva, quien también fue presidente de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, aclara que en la película “no se manejan como zombis, que es el término correcto, sino como muertos vivientes. Sin embargo, creo que no es buscar qué hace falta o no. Hacen falta películas de vampiros, algo que no hemos explorado mucho y un montón de cosas que podrían realizarse.

Lo que proponía el guionista era una película de época, ubicada en la Independencia. Eso con terror y zombis sonaba muy descabellado al platicarlo, pero la gente que la ha visto cae en el juego del suspenso que se le propone.

El director contó que primero lo buscaron para revisar un guión y evaluarlo. “Al expresar los motivos por los que me había gustado el proyecto me preguntaron si quería dirigirlo. Antes de tres segundos, ya había aceptado… es la primera película que hago en digital, algo que no me causó sorpresa. Finalmente, es un medio para contar historias de manera visual.

En términos de tiempo y material gastamos prácticamente lo mismo que si hubiera sido en 35mm y el resultado en pantalla es lo que cuenta, apoyado desde la fotografía hasta el reparto, con actores poco vistos en el cine mexicano.

En cinco semanas de filmación en Hidalgo, la complejidad, señala De la Riva, estaba en cómo crear las atmósferas necesarias para suscitar tensión en los espectadores, responsabilidad que recae en el director y su equipo. Fui muy respetuoso de la premisa que se planteaba en la película y quise hacerla en memoria de las grandes cintas de terror mexicanas, inglesas y estadunidenses. Soy un gran aficionado el cine de terror clásico y eso me ayudó a mantener gran mesura.

La película se ha exhibido en festivales del género, como Feratum, en la que fue reconocida. También se proyectó en el ciclo Masacre en Xoco.

La productora es Cucuy Odriozola; el guión de Christopher Luna; la fotografía de Alberto Lee; la dirección de arte de Eduardo López y Marlene Serrano; la edición de Óscar Figueroa, y la música de Diego Herrera.

El financiamiento de la cinta fue posible gracias al Estímulo Fiscal a Proyectos de Inversión en la Producción Cinematográfica Nacional (Eficine 189), del Imcine.

11 AM | 05 Ago

Trailer e información de “ESTAR O NO ESTAR” – Aisslin Derbez

Sinopsis:
Tras la muerte de su asfixiante madre (Patricia Reyes Spíndola), Augusto (Flavio Medina) se muda a Tlacotalpan dispuesto a disfrutar de su libertad. Ahí se enamora de una joven rusa (Aislinn Derbez) a quien conoce frente al río. Motivados por su propia soledad, estos personajes se envuelven en un fugaz romance. Años más tarde, Augusto en la agonía de su muerte, ve pasar ante sus ojos su delirante historia.
Director y guionista: Marcelo González
Productor: Eduardo J. Villareal
Reparto: Aislinn Derbez, Flavio Medina, Tiaré Scanda, Angélica Aragón, Patricia Reyes Spíndola, Rubén González Garza.
Género: Romance, Drama
Duración: 102 min.
Año: 2015
País: México