02 PM | 02 Nov

Henry Cavill opina sobre el Universo Cinematográfico de DC

El actor que da vida a Superman en la ‘Liga de la Justicia’ (2017), Henry Cavill, crítica duramente a DC Comics y a los errores cometidos.

Henry Cavill ha reconocido que las películas de DC Comics no han hecho las cosas bien. El actor que da vida a Superman en el DC Films Universe (DCEU) de Warner Bros. Pictures ha hecho autocrítica públicamente, como ha recogido Screen Rant, y ha reconocido los problemas que ha habido en la creación del Universo Cinematográfico de DC Comics desde ‘El Hombre de Acero‘ (2013).

“Incluso si Marvel Studios no existiera, también tendríamos problemas. Había un estilo que estaban buscando, algo diferente y con una perspectiva única. Pero no funcionó. Sí, se ha ganado dinero. Pero no ha sido un éxito en la crítica. No le hemos dado a los espectadores la sensación que los superhéroes deberían dar. Siento que ahora hemos dado en la tecla y podemos empezar a contar las historias de la forma en la que deben ser contadas. Incluso es mejor ir de un error o de un error estilístico a la senda de la corrección, ya que dará la sensación de fortaleza. ‘Wonder Woman’ fue el primer paso en la dirección correcta“.

La próxima película de DC Comics será la ‘Liga de la Justicia‘. Estreno: 17 de noviembre de 2017. Dejamos información tras el salto.

06 PM | 29 Oct

Pixar: ‘Coco’ le “hace justicia a la riqueza cultural de México”

Crítica de “Coco”
“El equipo de la película ha pasado mucho tiempo haciendo investigaciones en esta nación, quedándose en hogares para ganar inspiración”: directora del archivo y exposiciones de Pixar.

Elyse Klaidman, directora del archivo y exposiciones de Pixar Animation Studios, aseguró que la exhibición “El arte de Coco”, que se presenta en la galería de la Cineteca Nacional, es el resultado de los múltiples viajes de investigación que emprendieron los realizadores de esta empresa a México.

Durante un recorrido que hizo Notimex se pudo comprobar que en este espacio hay cerca de 100 piezas de arte, entre dibujos, esculturas y pinturas, del nuevo largometraje de animación “Coco”, que se estrenó el pasado viernes en las salas de cine del país.

Al iniciar esta muestra, se explicó que esta cinta no existiría sin la belleza, ni inspiración de México, tanto de su cultura y de las familias que compartieron sus hogares y sus vidas.

Asimismo, los detalles fueron hechos con la imaginación y la habilidad de un pequeño, pero muy talentoso equipo de artistas y diseñadores, que de manera apasionada le dieron vida a este mundo.

“Lo más importante para nosotros es la historia que queremos contar, los personajes y el escenario, algo importante es la investigación que hacemos siempre para hacer una trama que se pueda creer”, declaró Klaidman.

Una frase que se muestra al principio de esta exhibición es: “Fue muy importante para nosotros hacerle justicia a la riqueza de México, a su compleja historia y cultura”, dicho por la productora Darla K. Anderson.

Debajo de esto aparecen algunas fotografías que los creativos tomaron durante sus viajes a este país y al otro lado se ven ciertos dibujos y pinturas de ofrendas, cuando ellos se quedaron en casa con familias, por lo que aprendieron a valorar esta tradición.

“No queríamos basarnos sólo en estereotipos, entonces el equipo de la película ha pasado mucho tiempo haciendo investigaciones en esta nación, quedándose en hogares para ganar inspiración”, indicó.

Cabe mencionar que en este filme existen dos mundos, el de los vivos y el de los muertos; en este recorrido se dan detalles con datos interesantes acerca de ambos.

Al caminar, la gente podrá ver una ofrenda y posteriormente otra sala en la que se puede apreciar la familia “Rivera”, que aparece en la película; los realizadores querían mostrar a una familia fuerte.

“Uno de mis personajes preferidos es la abuelita, por su postura se ve que es la matriarca de la familia, pero también tiene algo dulce con su relación con ‘Miguel’ (el protagonista)”, opinó.

Informó que cuando este estudio empieza a hacer un personaje nuevo, no sabe inmediatamente cómo va a ser, entonces analizan bastantes dibujos y pinturas para escoger la personalidad perfecta para los respectivos papeles.

En este lugar se puede admirar diversas pinturas, una de ellas fue hecha muy temprano en el desarrollo de la película, donde se muestra la calidez que hay entre “Mamá Coco” y “Miguel”.

“También están algunos personajes muertos como “Imelda” que “está moldeado como los personajes grandes de los años 30 y 40 como Dolores del Río y María Félix; su traje era muy importante, se ve muy elegante”.

Dentro de otro muro se muestra la relación que hay entre el infante “Miguel” con su mascota “Dante”, quienes juegan y tienen una conexión muy fuerte. “Un detalle importante del director de la cinta es que la guitarra fuera más grande que él”.

Igualmente, hay dos esculturas de “Ernesto de la Cruz” uno cuando estaba vivo y otro muerto. “Algo complicado era cómo hacer que se viera la misma persona, por lo que su pelo y sonrisa fueron idénticas”, aseveró la especialista.

Cuando los creativos vieron el desfile de los alebrijes les impresionó tanto que decidieron en automático incluir estos personajes en la producción, “dijeron, es algo que debe de tener nuestra película”.

Para pasar del mundo de los vivos, al de los muertos, dijo, hay un puente muy grande hecho con flor de cempasúchil y creado con esta flor porque se deseaba hacer algo orgánico, no con materiales muy estructurados o demasiado rígidos.

Se dio a conocer que los dibujantes y los escultores trabajan muy juntos, durante un proceso de entre dos o tres años, periodo en el que generalmente se tardan para hacer los personajes de las distintas películas, para descubrir cómo se vería su universo.

En la última sala se encuentra el llamado “color-script”, que es la primera oportunidad que tiene el productor del diseño para pensar en los colores y las emociones del proyecto.

Específicamente en “Coco”, pensó mucho en el Día de Muertos, en el que hay colores diferentes; los personajes vivos fueron hechos con tonos fuertes como naranja y amarillo, mientras que los muertos con más brillantes y mucho contraste.

Al final, se puede ver una pintura con la ciudad de los muertos; los animadores pensaron cómo iban a representar eso en dibujos, así que “como va a crecer, porque la gente siempre va a morir, entonces lo han hecho como una torre.

“Abajo están las edificaciones de los Mayas, Aztecas, después del periodo colonial, la Revolución y la época más moderna”, concluyó.

05 PM | 05 Sep

Jason Bourne regresa con fuerza

Jason Bourne regresa con fuerza
Tuvieron que pasar más de 10 años para que Paul Greengrass y Matt Damon decidieran regresar a una de las mejores franquicias de espías, y que de alguna manera redefinió el formato estas películas, tanto así que la franquicia de James Bond tuvo que reiniciar sus historias con un personaje más tridimensional, real y que encajara en el mundo real.
En las tres primeras películas vemos todo un proceso, el arco argumental de un personaje como Bourne que poco a poco va descubriendo su pasado, dentro de una telaraña de recuerdos que viven en su cabeza y que no logra definir quién es realmente, un misterio que se irá desmarañando en cada una de las películas.
Todo indicaba que “The Bourne Ultimatum” sería la última película donde veríamos a Jason Bourne, aunque ciertamente hay un spin-off del mismo llamado “The Bourne Legacy”, que fue un arma de la productora para tratar de mantener vivo su producto, pero que no tuvo los resultados deseados, por otra parte una de las condicionantes de Matt Damon para regresar a la saga era si Paul Greengrass regresaba como director, lo que complicó mucho las cosas.
Afortunadamente las cosas se fueron por buen cause y ya tenemos la nueva entrega, ahora sabemos que Bourne regresa de su aislamiento y busca la verdad sobre la muerte de su padre, a pesar de que ha soltado su pasado y no quiere involucrarse en ese ambiente, las circunstancias lo obligan a salir de la sombra y afrontar su nueva realidad.
Volveremos a ver a Nicky Parsons (Julia Stiles) quien descubre que hay un nuevo programa de soldados elite y se unirá a Bourne para tratar de resolver los misterios, pero sobre todo con nuevos retos, porque ahora se enfrentará a una conspiración mundial que busca invadir la privacidad de las personas y la vigilancia digital.
Robert Dewey (Tommy Lee Jones) y Asset (Vincent Cassel) serán los antagonistas de la cinta y con quien Jason Bourne tendrá que enfrentarse.
Esta película tiene un guión bueno, de además de un manejo soberbio de la dirección de Greengrass, con escenas muy bien coreografiadas y esas escenas de acción que sabe construir, es por eso que Damon condicionaba su regreso, pues se sabe del gran talento del director, que sabe generar el suspenso y la acción en escenas claves, además de que tiene una muy buena dirección de Matt, que de cualquier forma conoce plenamente al personaje y sabe a dónde dirigirlo; por otra parte la cinta se complemente perfectamente la ganadora del Oscar Alicia Vikander, quien tiene una buena participación a secas.
Las secuencias trepidantes son espectaculares, sobre todo la que se desarrolla en Las Vegas, tomando en cuenta que es muy difícil rodar ahí por su vida nocturna y la cantidad de turistas que la visitan.
De forma personal me gustó la película, me gusto ver el regreso Damon como Bourne y lógicamente a Greengrass como director, soy parcial en este sentido porque soy fan de Jason Bourne y tienen que verla.

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05 PM | 05 Sep

“Suicide Squad” una apuesta al límite

“Suicide Squad” una apuesta al límite
Warner y DC Comics no la están pasando muy bien con sus adaptaciones cinematográficas, ya lo vimos con Batman V Superman, que tuvieron que sacar la versión extendida a la venta en DVD, y que incluso tuvo mayor aceptación que la versión cinematográfica.
Este fin de semana se estrenó la tercera película del universo cinematográfico de DC: “Escuadrón Suicida”; que de hecho ya venía con algunos antecedentes negativos cuando algunos críticos y páginas especializadas en valorar los filmes, la mandaban muy por debajo de Batman V Superman, situación que volvió locos a los fans y que de hecho enfrento a los seguidores de Marvel y DC Comics.
Pero, ¿qué es el Escuadrón Suicida? Es un grupo integrado por supervillanos confinados por el gobierno, pero ante una emergencia tendrán que utilizarlos para enviarlos a una misión “suicida”. Una alta oficial del gobierno llamada Amanda Waller es la ideóloga de este grupo secreto que no tiene nada que perder ante un ente enigmático que tienen que afrontar.
La película empieza muy bien, con buen ritmo, y con un buen soundtrack, muy específico para cada uno de los personajes, tiene un sello diferente al de Zack Snyder, sabemos que estamos dentro del mismo universo cinematográfico y lógicamente hay los enlaces que une a una cinta con la otra.
Lo primero que sobresale es la interpretación de Margot Robbie como Harley Quinn, es un trabajo que se cuido muy bien, lo trabajo muy bien la actriz, la verdad como espectador te encanta cada vez que la vez en pantalla, como esa chica loca, divertida y extravagante, de hecho es parte fundamental de la cinta junto con Will Smith como Deadshot, quien le da ese punto de energía y mucha adrenalina.
Es todo un deleite ver a todos estos personajes juntos, pues los puedes ver ahora si en la pantalla grande, de carne y hueso y eso siempre da mucha emoción, son los flashback que nos van mostrando sutilmente el pasado de estos personajes, sus conexiones y de qué manera fueron hecho prisioneros. Alguien que también es un pilar importante es la interpretación de Viola Davis como Amanda Waller, quien es un personaje muy fuerte, muy inteligente y que es la líder este equipo.
A pesar de que la cinta es entretenida, divertida y en ocasiones quiere romper con los esquemas, se va quedando corta poco a poco al no arriesgar más, en primer lugar cuando ya tienen a todo el escuadrón junto, no saben qué hacer con él, el director no sabe en qué sentido orientarlos realmente se pierde el sentido al que los quieren llevar, hay otras cintas recientes que se arriesgan y llevan la historia y a sus personajes al límite y que eso realmente encanta al espectador, aquí simplemente no sucede.
Uno de los errores más graves a mi parecer de la cinta es el tiempo del Joker en pantalla, sabiendo que Jared Leto hizo un gran trabajo para poder interpretarlo, trabajó mucho en él y trato de meterse en el papel al límite, pero desgraciadamente nunca podemos tener una escena emblemática en la que podamos sorprendernos con el personaje, solo tenemos algunas escenas, cameos, risas, pero nada significativo y teniendo en cuenta que Jared buscaba dar un sello diferente al de Nicholson o Ledger, hubiera sido preferible tener una sola escena del mismo, pero que nos dejara marcados con ganas de saber y tener más de este gran personaje; David Ayer no supo realmente que hacer con su propio Guasón.
En resumen, la cinta es buena, entretenida, con mucha acción y adrenalina, con una Margot Robbie que se lleva la cinta, muy por encima de Batman V Superman, pero que si deja con ese sentimiento de que pudo ser mucho mejor. El villano no es lo que esperábamos y tampoco hay escenas que te llenen de éxtasis. Dentro de lo peor es un Joker que no convence pero esperamos con ansias que pueda sorprendernos en otra cinta de este universo con más escenas y sobretodo que nos pueda exponer plenamente el Joker que Jared Leto quiere mostrarnos.
La película fue escrita y dirigida por David Ayer y tenemos a un elenco formado por Will Smith (Deadshot), , Margot Robbie (Harley Quinn), Joel Kinnaman (Rick Flag), Jai Courtney (Capitán Bumerang), Adewale Akinnuoye-Agbaje (Killer Croc), Karen Fukuhara (Katana) , Jay Hernández (el Diablo), Cara Delevingne (Encantadora), Viola Davis (Amanda Waller), y Jared Leto (Joker).
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05 PM | 05 Sep

The Killing Joke

The Killing Joke de las historias más oscuras de Batman
Sin lugar a dudas, uno de los personajes más ricos, complejos e interesantes del universo de DC Comics es Batman, una de sus cualidades es que Bruce Wayne no tiene súper poderes, no es un mutante u obtuvo sus poderes por algún accidente en algún laboratorio, Wayne es un simple mortal que utiliza su mente y su cuerpo para combatir el crimen de una ciudad; pero de la misma manera vemos que a pesar de que posee una gran fortuna y puede hacer o adquirir lo que él quiera, es un hombre atormentado, con un conflicto emocional muy fuerte, un ente trastornado que la única manera de mantenerse cuerdo es siendo Batman.
En marzo de 1988 salió a la luz na novela gráfica de la autoría de Alan Moore, llamada “Batman: The Killing Joke” hoy en día considerada una obra maestra dentro del mundo del comic y que acaba de tener una adaptación animada.
Desde hace tiempo los fans apostaban por una adaptación cinematográfica o animada, pero una de las situaciones que siempre frena esta posibilidad es la oscura trama de la historia, se tiene que entender que The Killing Joke no es un comic para niños, ya que lleva implícito mucha violencia, no tanto violencia visual, por lo que el comic pueda presentar, sino la violencia psicológica que se transmite.
Hoy en día, si se lee como tal, quizás no pueda tener el mismo impacto que hace 20 años, la violencia con la que convivimos diariamente en nuestro contexto, en las noticias en las redes sociales, nos han rebasado; pero hace 20 años todavía quedaba algo de inocencia, y esta novela gráfica nos presenta una historia retorcida dentro de la mente de este criminal por un lado y por otro, también nos presenta una historia más humana y realista, de hecho aquí se nos presenta el origen del Joker, que como podrán ver era una persona normal, con problemas como cualquier otra persona, pero que por una circunstancia en la vida, una sola situación que la llevo al extremo pudo cambiar a lo que hoy conocemos.
Batman y el Joker son dos entes muy similares, de hecho siempre se ha tratado de ver así, como si los dos estuvieran en una misma línea curva, solo que en dos lados opuestos, están en el límite, pero tienen perspectivas diferentes, esto ha sido patente en películas como Tim Burton, cuando Wayne y el Joker hacen los mismos comentarios hacía una misma situación, lo mismo se ve en la película “El Caballero de la Noche” de Chistopher Nolan, hay una escena donde se nos da a entender esta misma esencia de los dos personajes.
En la historia el Joker quiere demostrarle al Caballero de la noche que solo le hace falta un mal día a una persona para volverse un loco trastornado, uno igual a él; por otro lado Batman sabe que un día en uno de sus enfrentamientos va acabar con la muerte de alguno de ellos dos, Batman quiere acabar con esto de una vez por todas, pero en lugar de eso, se tendrá una batalla épica, loca y cruel.
Ahora Warner decide adaptarla al mundo e la animación y mantiene el mismo ADN, tenemos tres personajes: Batman, Joker y Batgirl, de hecho esta última es el centro medular de la historia, ela es la artífice de la construcción de esta historia. El director y productores de este proyecto decidieron añadirle una prólogo a esta película, tratando de conectar a los personajes y justificar el actuar de cada uno de ellos, por lo cual en la cinta tenemos unos 30 minutos de este prólogo y los restantes 45 minutos lo que es en sí una adaptación muy fiel al comic.
La película es adaptada maravillosamente y casi plasman cada viñeta en la animación, uno de los problemas que tuvo es precisamente el prólogo del que ya se habló, pues para algunos es innecesario, en lo personal para mí no crea ningún conflicto, al contrario, considero que ayuda a complementar la historia.
Para los que ha leído el comic saben que al final el Joker que le cuenta un chiste a Batman y vemos por primera vez esbozar una sonrisa, en específico de una broma del Joker, es tanto el acercamiento que no sabemos cuáles fueron las acciones de Batman, al menos esa es la sensación que deja el comic, sin embargo la cinta animada no logra dejar ese mismo sentimiento.
Todavía hay oportunidad de ver la cinta en cines, aunque próximamente saldrá a la venta en Bluray y podrán también disfrutar el gran doblaje que hace Mark Hamill como el Joker, una interpretación brillante, lástima que Hamill no esta destinado a interpretarlo en la vida real.
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05 PM | 05 Sep

“Yo antes de ti” una mala adaptación

“Yo antes de ti” una mala adaptación
Un libro que causó mucha sensación fue la de la escritora Jojo Moyes, que cautivó a millones de personas y que cuando se anunció su adaptación a la pantalla grande revitalizó a la publicación y lo llevó a los primeros lugares.
“Lou Clark sabe muchas cosas. Sabe cuántos pasos hay entre la parada del autobús y su casa. Sabe que le gusta trabajar en el café Buttered Bun y sabe que quizá no quiera a su novio Patrick. Lo que Lou no sabe es que está a punto de perder su trabajo o que son sus pequeñas rutinas las que la mantienen en su sano juicio”. Son con estas líneas con las que empieza el libro y que nos trata de meter en esta historia.
Emilia Clarke interpreta a Lou quien tendrá que cuidar a Will Traynor, un treintañero que quedó cuadripléjico al ser atropellado por una motocicleta; dos años después ha perdido toda chispa de la vida y su familia busca a alguien que pueda inyectarle alegría.
Hablando específicamente del libro, nos presenta una bonita historia de amor, pero alejado de los estereotipos, el libro no se puede encuadrar propiamente dentro del género romántico, porque no es pretencioso en ese sentido, busca un equilibrio entre el drama y lo sentimental. Para empezar el perfil de la protagonista es interesante, viene de una clase media inglesa, trabajadora, que tiene que mantener a sus padres y hermana, la cual es madre soltera.
Los personajes principales son realistas, fuertes y es fácil encariñarse con ellos, lo mismo pasa con los personajes secundarios que hacen un buen complemento a la protagonista tanto en su propia familia como la de Will; hablando precisamente de Will Traynor, es interesante como se plantea su personaje, como una persona que sufre físicamente por su condición, pero principalmente su lucha interior, su propia cruzada en contra de sus propios demonios, ya que contrasta su vida anterior con la de su vida después del accidente. Es precisamente el ver las dos perspectivas de los personajes y de cómo uno y otro van interactuando y aprendiendo de sus experiencias.
Respecto a la película lo que podemos decir es que a pesar de que en general se eligieron buenos actores para adaptarlos a la pantalla grande, no hay una conexión entre ellos, no hay una chispa, que los vaya conectando, como se hace lógicamente en el libro, el guionista no sabe cómo adaptar los elementos que le proporciona el libro y solo va armando una serie de secuencias que no logran que se establezca una empatía entre el público y sus personajes.
Una de las cosas que le dan realismo al personaje de Will en el libro es que se describe su sufrimiento, un ser que se ha rendido, después de ser un alma libre y aventurero, en cambio en la película nunca se muestra esos sentimientos, se ve más que nada como un ser caprichoso y que no define realmente por qué quiere tomar la determinación de terminar con su vida.
Otra de las situaciones que no encuadran de la cinta es que la película da por hecho que las personas han leído el libro y omiten mucha información que de la cual eres consiente si has leído el libro.
La actuación de Emilia Clarke es sin lugar a dudas quien le da vida al filme, más en la primera parte del libro, pero algo pasa que no sigue en esa línea en el resto de la película, su personaje se vuelve monótono, sin luz, no evoluciona y en tanto que en la escena que se podría decir que es la más importante de la cinta, nos entregan una escena digna de una telenovela de televisa, una escena gris y sin ningún matiz.
Sam Claflin, por más que intenta darle volumen a su personaje, no es capaz de transformar ese personaje plano a un personaje más convincente y congruente, ciertamente por esa inmovilidad que tiene Will Traynor, pero él no logra que trascienda.
Desgraciadamente “Yo antes de ti” tiene una muy mala adaptación, cero empatías, vayan a verla bajo su propio riesgo.

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05 PM | 05 Sep

“El Conjuro 2″ fresca como su antecesora.

“El Conjuro 2″ fresca como su antecesora.
Fue en el 2013 cuando pudimos ver en la pantalla la película “El Conjuro”, su director James Wan nos presentó una muy respetable cinta de horror y esto ha permitido que se consolide ya una nueva franquicia alrededor de esta premisa.

El realizador debe su fama a aquella película llamada Saw: Juego Macabro que se estrenó en el 2004, ahora casi una década después es un director estimado por la industria y estrena ahora la segunda parte de los casos de los esposo Warren: “El Conjuro 2″

Vera Farmiga y Patrick Wilson regresan para interpretar a este matrimonio que se desenvuelve en el mundo de lo paranormal, de hecho la historia empieza después de los sucesos de Amityville y donde son objeto de criticas al considerar el caso una farsa; es por eso que aceptan viajar a Londres para asesorar a la iglesia en un caso de posesión demoniaca sobre la niña Janet Hodgson.

La cinta dura más de dos horas y no son para nada agotadoras, tomando el hecho de que podemos decir que se divide en dos partes, por un lado el director se toma con calma para contarnos con detalle la posesión demoniaca y como la familia convive con ello, y por otra parte la llegada de los Warren y como van lidiando con el caso. Lógicamente Wan conoce a la perfección el genero y sabe como mantenernos en la fila de la butaca con momentos de tensión, terror y uno que otro movimiento involuntario y sustos.

Es a mitad de la historia que ya entramos verdaderamente al punto de la trama y como lo comentamos los Warren salen en muy escasas ocasiones, aunque importantes para el final del film en su momento cúspide.

Una de las cosas que hay que destacar en la dirección de arte, que al igual que la cinta anterior, nos saben trasladar exactamente a los sentimientos y emociones de la época, su forma de vida, la forma en que la misma sociedad va lidiando con este suceso en esta gran ciudad.

James Wan es un artesano muy eficaz al momento de montar sus escenas de suspenso, tratando de mantener ese espíritu independiente que se le identifica y jugando con esos elementos psicodélicos con lo que le gusta jugar, elementos que ya hemos visto en sus otras cintas y que de alguna manera rompe con los patrones que usualmente se usan en hollywood.

Otro de los elementos que hay que tomar en cuenta es que las actuaciones son muy creíbles, naturales, son situaciones que un cinéfilo aprecia porque no se ven escenas pretenciosas, al contrario son efectivas para este género; otro elemento es la música de Joseph Bishara que sabe combinar perfectamente con las secuencias de esta cinta de horro.

Para los que les gusta este tipo de género quedaran totalmente satisfechos, una cinta que cuida todos los detalles y que no sigue al pie de la letra los estereotipos cinematográficos del cine comercial. En lo personal lo sigo viendo como una propuesta que refresca, muy a la altura de su predecesora, pero que si buscan seguir con la franquicia tendrán que ser muy cuidadosos en no cansar al espectador, pues ya ha dicho el realizador que hay muchos casos por donde seguir el hilo a los Warren.

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05 PM | 05 Sep

“El Incidente” de Issac Ezban

“El Incidente” de Issac Ezban
Issac Ezban es un joven director mexicano que ha dado de que hablar por sus últimos trabajos, sobre todo porque el perfil de sus trabajos son diferentes a lo que se busca hacer en nuestro cine, encaminado más hacia la ciencia ficción y con un estilo muy particular.
El director viene de una familia judía con ya varios años de arraigo en nuestro país, estudió dirección de cine en Nueva York y una especialidad en cine en la ciudad de México. Ha escrito novelas cortas y fundó la casa productora Yellow films, además ha sido guionista, director y productor de videoclips y antes de su opera prima dirigió tres cortometrajes, entre los que destacan “Cosas Feas” en el 2010. En el 2013 se embarca en la producción de “El Incidente”
“El Incidente” nos cuenta dos historias paralelas en donde un grupo de personas quedarán atrapados en un espacio y tiempo infinitos; en la primer historia nos cuenta como dos hermanos delincuentes son perseguidos por un policía y al querer escapar por unas escaleras, se dan cuenta que ya no pueden salir; por otro lado una familia decide salir de vacaciones y también quedarán atrapados en una carretera eterna y repetitiva.
La película es sin lugar a dudas una cinta desconcertante, que te provoca emociones de ansiedad, fantástica y perturbadora. La historia se enmarca dentro de la ciencia ficción, claramente influenciado como lo ha dicho el director por Christopher Nolan, Stephen King, La dimensión desconocida y hay mucho de la serie de televisión “Lost”, sobre esta última serie podemos ver su influencia desde el título “El Incidente”, que es una de los arcos argumentales de la serie, un anuncio que aparece en la película con el nombre de “Jacob”, un personaje importante dentro de la serie, y también por la música de Michael Giacchino, en ese asécto creo que fue casi una copia, muy repetitiva y saturada dentro del film.
Es de valorar la hazaña del director, quien saca un producto bien logrado en una industria nacional que difícilmente logra apoyar este tipo de proyectos, además de que los propios cinéfilos mexicanos no logran creerse una historia de este tipo para nosotros mismos, descalificándola y criticándola negativamente. Lógicamente este tipo de proyectos conllevan un riesgo y es por eso que se aprecia el hecho de actores como Raúl Méndez. Humberto Busto, Fernando Álvarez, Hernán Mendoza y Nailea Norvind tomen este tipo de retos.
La película tiene un empiezo prometedor, de hecho hay un plano secuencia muy bien logrado donde nos deja muy claro que los personajes se encuentran en un espacio infinito y ya con el hecho de ver esa secuencia nos deja con la intriga de que fue lo que pasó. Hay momentos también de muy interesantes reflexiones, en una al inicio de la cinta la que proyecta el personaje de Humberto Busto, sobre el hecho de que todo evento pasado en nuestra vida fue mejor, aunque siempre esperamos que el futuro sea más prometedor y nos embarcamos en una historia sin fin en el que nunca nos enfocamos en disfrutar lo que nos regala el presente, al final de cuentas la cinta es una metáfora sobre el paso del tiempo y de cómo percibimos las cosas.
La película es de bajo presupuesto, apenas se realizó con 200 mil dólares, pero es una muestra más de que el buen cine no necesita tanto presupuesto, de como el director y su producción lograr salir adelante y contar la película con esas limitantes.
Esta cinta es de esas que al salir del cine te deja dando vueltas la cabeza y reflexionando sobre todo lo que hay en el trasfondo de la misma, son de esas cosas que se agradecen.
Ciertamente hay otros aspectos muy criticables de la misma, más viniendo de una película que es una ópera prima para un director, pero considero que hay que darle seguimiento a este talento mexicano, creo que en el futuro nos va a seguir sorprendiendo y sabiendo que va ir perfeccionando su labor como director de cine.
Desgraciadamente la película estuvo muy pocos días en cartelera, pero ya la podemos disfrutar en su versión en DVD y Bluray.
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05 PM | 05 Sep

La mejor aventura de Marvel con “Civil War”

La mejor aventura de Marvel con “Civil War”
“Capitán América: Civil War” llega con grandes expectativas al cine y lo logra, lo que todo un fan puede esperar de este universo cinematográfico lo tenemos en esta nueva película de Marvel, por lo cual sigue consolidándose como uno de los más grandes universos cinematográficos.
Fue en el año 2008 cuando empezó esta gran apuesta por los grandes estudios, ya que salía al mercado la primer película que desataría lo sueños: “Iron-man”, un buen guion, pero sobretodo con un buen actor que se ganó inmediatamente al cinéfilo comiquero, Robert Downey Jr. Se convertía inmediatamente en Tony Stark, con gran empatía y entusiasmo. De ahí nace todo, al final de esta cinta se presenta a Nick Fury, jefe de SHIELD y que marcaría el futuro de la franquicia.
En ese tiempo ya había terminado de publicarse una saga en los comics llamada Civil War, en ella dos grupos de superhéroes se enfrentaban por una ley de registro, que además exigía revelar sus identidades secretas, por lo cual el Capitán América y Iron-Man tendrían un enfrentamiento que cambiaría el rumbo de este universo.
En el universo cinematográfico y después de haber desarrollado a cada uno de los personajes, podemos ser testigos de una guerra civil, a raíz de todos los daños colaterales que se han vivido en los enfrentamientos por defender la tierra. En la “Era de Ultrón” ya se empezaba a ver ciertas diferencias, muy sutiles, pero la realidad es que el perfil de cada uno de ellos es completamente diferente.
Esta película da un giro al enfoque de las cintas de Marvel, en ciertos momentos la podemos sentir como una de las películas más serias de la franquicia, donde los eventos son más fuertes para tratar de justificar las reacciones de los personajes, sobre todo en la primera parte de la película, que es la que sienta las bases de la historia; y es que es difícil ver a amigos dándose con todo en la pantalla grande,
Esta cinta tiene grandes incorporaciones, una de ellas es Pantera Negra, que está muy bien justificada su participación en esta cinta y sobre todo en el conflicto, por otro lado esta Paul Rudd como Ant-man que sin lugar a dudas se disfruta su incorporación y las sorpresas que nos tiene por ahí; pero sobre todo una de las grandes apariciones es Tom Holland como “Spider-man”, le da una gran frescura al universo y se nos pone la piel chinita cuando lo vemos en pantalla, esta puede ser una de las grandes sorpresas, pues aunque su participación es relativamente pequeña, casi se podría decir que se roba la película y deja a los demás en segundo plano. Esta interpretación puede convertirse en el mejor Spider-man de la historia, aunque por otro lado, es bueno verlo en pantalla, su incrustación en la historia se ve un poco forzada, de alguna manera se intuye que al concretar el acuerdo entre Sony y Disney, modificaron el guion para ponerlo ahí, ya que de repente Tony Stark así como lo invito a este enfrentamiento, de forma rápida lo saca de la jugada.
Otro aspecto negativo es que el personaje de Daniel Brühl no encaja como el villano que esperábamos, además de que sus intenciones o sus justificaciones no son lo suficientemente creíbles, ya que a pesar de que alguna de las revelaciones que hace, catalizan aún más el distanciamiento entre el Capitán y Tony Stark, no se cree que él pueda haber tenido tal información.
Marvel sabe lo que tiene y está jugando muy bien sus cartas, sabe mantener un buen ritmo en las películas y nos lleva a lugar fuera de lo común para que no se noten monótonas o repetitivas los escenarios, los hermanos Russo demostraron que pueden darle esa frescura a las cintas y lo hicieron con esta y se espera que las que vienen sean espectaculares; también nos queda que saben muy bien donde están los límites, de no abarcar más de lo debido y de darle a cada uno de los personajes en escala de su importancia el tiempo necesario para empatizar con ellos
En resumen, “Capitán América: Civil War” la un fuerte paso cinematográficamente hablando y nos deja con ese sabor de querer probar más, nos impacta con sus escenas, efectos especiales, pero sobretodo con buenos guiones son la base de una buena película para disfrutar. Esta es una de sus grandes cintas, tampoco podemos decir que sea la mejor, porque le falto arriesgarse un poco más con el final, pero es una película sobresaliente.
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05 PM | 05 Sep

J.J. Abrams sorprende con “Avenida Cloverfield 10”

J.J. Abrams sorprende con “Avenida Cloverfield 10”
Fue en el año 2008 cuando el visionario director J.J. Abrams saco a la luz la producción de “Cloverfield” una película de tipo documental donde se narra el ataque de un monstruo a la ciudad de Nueva York, lo más interesante de la cinta fue que su laborioso proceso de marketing, la cual se marcó con mucho secretismo y suspenso, solo se daban algunas pistas de la trama y nunca se dio a conocer la apariencia de la criatura. La película fue bien recibida por los cinéfilos y los críticos y Abrams siempre prometió que le daría continuidad a esta historia en un futuro.
A principios del año se sabía que Bad Robot, empresa productora de Abrams tenía una producción por salir, se sabía que estaba basado en un guion llamado “The Cellar”, pero en el 2012 Paramount compró los derechos sobre el guion y Bad Robot le asigna la palabra clave “Valencia” para mantener la producción en secreto; se contrata al debutante director Dan Trachtenberg y se contrata a John Goodman y Mary Elizabeth Winstead junto con que John Gallagher, Jr. como protagonistas, la premisa de la cinta seguía siendo la misma que “The Cellar”: una mujer atrapada con su misterioso salvador en un supuesto mundo post catástrofe nuclear.
Abrams detecta el poder del guion de esta cinta y que tiene en el fondo un ADN similar a la de “Cloverfield” y decide hacerla parte del mismo universo cinematográfico, no se trata de una secuela literalmente, pero Abrams la llama pariente de sangre.
Fue tanto el secretismo de esta película, que se filmó casi en secreto, incluso la misma protagonista del filme, descubrió la conexión de la historia horas antes del estreno del tráiler de la cinta el 15 de enero de 2016 cuando se dió a conocer el nombre la misma.
Lógicamente la salida del tráiler con el título y con la producción de Bad Robot, hizo que los cinéfilos se volvieran locos al querer saber más sobre esta producción y su conexión con aquella película de 2008, pero como sabemos, Abrams es experto en guardar secretos y soltó muy pocas cosas solo para aumentar las expectativas de sus seguidores.
La cinta se maneja como un producto totalmente original, con una identidad propia, con una premisa sencilla, una producción de bajo presupuesto, pero con mucha personalidad, de esas cintas que dan gusto ir a ver al cine, alejado de los blockbuster del momento.
La película nos cuenta como Michelle (Mary Elizabeth Winsted) abandona en una crisis a su prometido, ya en carretera sufre un accidente, su vehículo sale del camino, y cuando despierta se encuentra sola y atada; descubre que ha su secuestrador es Howard (John Goodman) quien la trata de convencer que le ha salvado la vida, ya que el mundo ha sufrido un ataque fulminante y el bunker donde se encuentran es la mejor opción para sobrevivir. En el bunker también se encuentra Emmett (John Gallagher Jr.) quien está ahí por su propia voluntad y respalda las teorías de Howard.
Conforme pasan el tiempo en ese lugar, nos vamos dando cuenta junto con los personajes que no todo es lo que parece, en especial con el personaje de Howard, quien guarda muchos secretos, de hecho la historia gira en torno a él, su pasado, sus intenciones; es un personaje fascinante y ambiguo, pues nunca podemos establecer si está realmente loco o sus intenciones son puramente humanitarias.
De hecho toda esta historia, su fórmula, nos conecta directamente con otra creación de Abrams: LOST, para los seguidores de la seria, varios de los arcos argumentales giraban en torno a la presencia de un bunker, de la forma en que los personajes se conectaban con ella, es por eso que ésta cinta en sus primeros 90 minutos te mantiene al filo de tu asiento, con las secuencias suspenso y la tensión que se transpira desde la pantalla.
Dan Trachtenberg, director de la cinta, hace un estupendo trabajo a nivel técnico, con secuencias muy bien logradas, manipulando completamente la cámara para dar esa sensación de claustrofobia que requiere la historia.
El guion busca jugar con el espectador, sabemos que hay algo raro afuera del bunker, pero nos preocupa más lo que pasa adentro del mismo, las intenciones de Howard, ¿será el verdadero monstruo de la cinta?; Michelle, que le tiene miedo a enfrentar las situaciones por un problema en su niñez y que tendrá que evolucionar para sobrevivir.
Avenida Cloverfield 10 es una excelente película, no defraudará a los que conocemos a J.J. Abrams, con personajes muy humanos, con excelentes actuaciones y un excelente soundtrack y sonido que perfeccionan este trabajo.
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